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Das Leben der Wünsche

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Ein Vorwort

Matthias Schweighöfer ist eigentlich ein Schauspieler, dessen Filme ich meide, da die meist für deutsche Liebeskomödien stehen, die ich nicht wirklich lustig finden. Warum ich dachte, dass ein ruhigeres Drama mit philosophischem Einschlag dann besser wäre, weiß ich leider auch nicht. Warum ihr von Das Leben der Wünsche besser die Finger lassen solltet, erfahrt ihr in meinem heutigen Beitrag.

Den Filmtitel als Fanart auf einer Filmklappe liegend

Die Handlung

Felix Niemann ist unglücklich in seinem Leben. Seine Ehe steht auf der Kippe, da seine Frau sich lieber ihrer Forschung und ihrem Forschungspartner zu wenden. Seine Kinder entfremden sich immer weiter von ihm und auch auf der Arbeit wird er nicht gesehen und ist austauschbar. Doch eines Abends findet er einen seltsamen Laden, der ihm drei Wünsche erfüllen will. 

Meine Meinung

Pass auf, was du dir wünschst, denn es könnte wahr werden. Diesen Grundsatz aus der Psychologie wurde schon seit Goethe immer wieder umgesetzt. Und wie Faust und Mephisto sind es hier Matthias Schweighöfer und Henry Hübchen, die eine Wunscherfüllungssituation haben, die natürlich schief läuft. Denn die Handlung ist so vorhersehbar, wie es bereits klingt. Schon unzählige Male gesehen/gelesen und in der Regel wesentlich besser umgesetzt.
Aber fangen wir am Anfang an. Zunächst lernen wir Felix kennen, der super unglücklich in seinem Leben ist. Seine Frau hat sich schon voll von ihm abgewandt, während er verzweifelt versucht ein Familienleben aufrecht zu halten. Sie lässt ihn allerdings auch nicht in der Erziehung mitreden und beschließt ihn zu verlassen. Auch in seinem Job wird er ständig übersehen und als er sich einbringen will, verliert er prompt diesen. Er führt also das typische Leben eines unglücklichen Mannes, der sich einfach nur Aufmerksamkeit und Anerkennung wünscht. Kurz darauf sind wir auch schon im Wünscheladen und ab da beginnt die Handlung noch vorhersehbarer zu werden. Denn natürlich funktionieren die ersten keinen Wünsche wunderbar, aber da wirklich alles wahr wird, passieren Menschen in seinem Umfeld immer wieder Unfälle. 
Denn natürlich sind nicht automatisch alle Probleme gelöst, nur weil er sich Dinge wünscht. Klar, sein Haar wird immer voller und ihm wird im Job endlich zugehört, aber damit gehen die nächsten Probleme einher und er schafft es nicht über alles den Überblick zu behalten und verrennt sich immer mehr. Blöderweise kann er keinen Wunsch zurücknehmen. 
Wäre es nur die vorhersehbare Handlung, könnte man sich den Film ja noch geben. Aber leider kränkelt er an jeder möglichen Stelle. Schon Matthias Schweighöfer kann einfach keinen Film mit Tiefgang tragen und sieht daher wie gewohnt verwirrt durch die Gegend. Immer, wenn es an ihm wäre, dem Film etwas besonderes zu geben, scheitert er auf ganzer Linie und zeigt wieder, dass er bei seinen belanglosen Komödien bleiben sollte. Aber auch der übrige Cast gibt sich nicht wirklich Mühe und scheint durchweg Gelangweilt zu sein. 
Und während der Film versucht die Ehefrau als die Böse hinzustellen, da sie ihn ja verlassen will und für ihr Forschungsprojekt die Familie zurücklassen will, sieht man doch deutlich, dass er sich bisher als Ehemann und Vater nicht wirklich eingebracht hat. Irgendwann ist halt einfach zu spät. Auch seine neue Flamme – ganz nach dem Motto „was du kannst, kann ich schon lange“ – schenkt er nur Aufmerksamkeit, wenn seine Frau ihn abweist. Hier wird so sehr versucht Felix Niemann als das Opfer darzustellen, dass es so plump ist und direkt auffällt, dass es nicht funktioniert. 
Gleichzeitig wird die Karrierefrau natürlich auch als die Verrückte dargestellt, die über Leichen gehen würde. Zwar bekommt sie noch ein paar Zeilen Text, in der sie darauf hinweist, dass sie allein wegen ihres Geschlechts schon Nachteile in der Arbeitswelt hat, doch da wird direkt drüber hinweggegangen und sie muss natürlich ordentlich ausrasten, weil sie nicht ihren Willen bekommt. Daran ist so viel falsch, dass ich gar nicht weiß, wo ich anfangen soll. 
Dann wird noch der Brocken eingeworfen, dass die Kundschaft natürlich am besten durch Angst geködert werden kann. Die zustimmende Chefetage steht hier auch nur symbolisch für alles, was falsch läuft in der Gesellschaft. Doch anstatt hier irgendwie mal drauf einzugehen und etwas draus zu machen, geht es wieder nur um Felix und seine Probleme. Der arme alte weiße Mann, der ja keine Chancen im Leben hat. 
Am Ende scheint man dann gemerkt zu haben, dass der Film ja auch noch einen philosophischen Ansatz benötigt und wirft den schnell noch durch eine Nahtoderfahrung ein. Zu spät, zu wenig und auch das ist so gewollt künstlerisch, dass es einfach nicht funktioniert. Kurzum lasst einfach die Finger von dem Film und sucht euch eine andere Faust Interpretation. Es gibt zu dem Thema genug Material da draußen. 

Das Fazit

Das Leben der Wünsche ist ein Fehlschlag auf ganzer Linie. Er ist vorhersehbar, kratzt thematisch überall an der Oberfläche herum, benennt aber nichts richtig und stigmatisiert die Frauen zu dem Böse, das dem armen alten weißen Mann nur schaden will. Und wer auch immer sich gedacht hat, dass Matthias Schweighöfer in Dramen spielen könnte, sollte seine Berufswahl überdenken. Dafür gibt es 03 von 10 möglichen Punkten.

Das Leben der Wünsche läuft seit dem 13.11.2025 in den deutschen Kinos

 

All das Ungesagte zwischen uns

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Ein Vorwort

Bereits 2020 erschien Colleen Hoovers Buchvorlage. Und nach dem anhaltenden Erfolg ihrer Bücher, die mal mehr mal weniger gerechtfertigt auch in der Kritik stehen, ist nun die Zeit der Verfilmung gekommen. Die Zweite befasst sich direkt mit einem Buch, das auch für den Wandel Hoovers von den Teenieromanzen auch zu „erwachseneren“ Themen steht, und das ich noch durchaus okay fand, aber auch die Phase einläutete, in der ich nicht mehr jedes Buch von ihr verschlungen habe. Warum sich die Verfilmung aber durchaus sehen lässt, erfahrt ihr in meinem heutigen Beitrag.

Den Filmtitel als Fanart auf einer Filmklappe

Die Handlung

Morgan hat sich ihr Leben wohl anders vorgestellt, als mit 17 schwanger zu werden. Doch auch jetzt mit Anfang 30 ist Clara das Beste, was ihr passieren konnte. Natürlich ist Erziehung nicht immer leicht. Bis ein Unfall ihr Leben komplett auf den Kopf stellt.

Meine Meinung

Im letzten Jahr erschien mit Nur noch ein einziges Mal direkt die Verfilmung meines liebsten Buches von Colleen Hoover, aber auch das mit der schwersten Thematik. Und während die Situation am Set noch immer für Schlagzeilen sorgt, ging bereits der nächste Film ins Marketing. Und während im nächsten Jahr dann Verity ansteht, mit dem ich der Autorin dann angefangen habe den Rücken zu kehren, weil mich der Genrewechsel leider enttäuscht hatte, tauchte plötzlich All das Ungesagte zwischen uns auf und brachte einen überraschend überzeugenden Trailer.
Denn das Buch hatte ich als vollkommen okay in Erinnerung, es löste bei mir aber bei weitem keine Begeisterungsstürme aus. Das lag vor allem daran, dass die Geschichte für mich nicht so eindeutig war, was es aussagen wollte. Es war irgendwie eine Mutter-Tochter-Geschichte, hatte aber auch die typische Hoover klebrige zuckersüße Liebesgeschichte mit drin. Während ihre Bücher sonst so vollgestopft mit Themen waren, die eigentlich eine sehr großen Triggerwarnung benötigt hätten, ging es hier um einen Unfall mit Todesfolge und die Trauerbewältigung. Also vergleichsweise „harmlos“. Damit dürfte man auch nach der großen Kritik an der weichgespülten Darstellung der häuslichen Gewalt in Nur noch ein einziges Mal erstmal sichere Gewässer getestet worden sein.
So reisen wir zunächst in die Vergangenheit und treffen auf die Schwestern Morgan und Jenny, die mit ihren jeweiligen Freunden Chris und Jonah, unterwegs zu einer Party sind. Hier entspinnt sich schon eine gewisse Dynamik, die meine Begleitung dazu veranlasste, voller Vorfreude zu verkünden, dass sie schon wisse, worauf der Film hinauslaufe. Als dann jedoch die Einblendung 17 Jahre später kam, entfloh nicht nur ihr ein überraschter Aufschrei. Wir haben noch immer die gleichen Paare, aber die Dynamik hat sich geändert hat. Und mit Clara, der Tochter von Morgan und Chris, haben wir noch eine zusätzliche Komponente. Die lernt ganz frisch Miller kennen, der jedoch bereits eine Freundin hat. 
Mit dem kurz darauf eintretenden Unfall beginnt das eigentliche Drama. Wir haben also das Thema Trauerbewältigung und wie Tochter und Mutter damit umgehen, aber auch Geheimnisse, die gelüftet werden und eine Geschichte aus der Vergangenheit, die wieder aktuell wird. Aber wir haben eben auch die typische lockerleichte Liebesgeschichte, die Hoover so leicht aus der Feder zu kommen scheint. Das lockert die Stimmung im Film immer wieder auf.
Und auch, wenn ich die Geschichte bereits kannte und sich der Film stark an die Vorlage hält und damit alle überraschenden Wendungen schon kannte, waren es gerade die Darstellenden, die dem Film Leben einhauchen. Die einen die Gefühle der Charaktere selbst spüren lassen. Dabei war es gerade Dave Franco, bei dem ich im Vorfeld starke Zweifel hatte, da ich ihn nicht in der Rolle gesehen hatte. Aber er beweist, dass er auch der Dramarolle gewachsen ist und haucht dem Jonah Leben ein. 

Das Fazit

All das Ungesagte zwischen uns ist eine grundsolide Buchverfilmung, die den Wörtern Leben einhaucht und sie gekonnt auf der Leinwand inszeniert. Aber eben auch nicht mehr. Dafür gibt es 08 von 10 möglichen Punkten.

All das Ungesagte zwischen uns läuft seit dem 23.10.2025 in den deutschen Kinos

Was ist Liebe wert? – Materialists

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Ein Vorwort

Während es über das Jahr verteilt zwar einige Rom-Coms im Kino gibt, sind gute Rom-Coms, also romantische Komödien, leider eine Seltenheit. Schwieriger wird es jedoch, wenn Filme als Rom-Com vermarktet werden und dann eher weniger Rom und überhaupt nicht Com sind. Was ich damit meine und wieso dies im Vorwort zu Was ist Liebe wert auftaucht, erfahrt ihr in meinem heutigen Beitrag.

Der Filmtitel als Fanart arrangiert mit Kinoticket vor einer Filmklappe

Die Handlung

Als Dating-Beraterin weiß Lucy genau, worauf sie bei Vermittlungsvorschlägen achten muss. Liebe sei schließlich simple Mathematik. Bis sie auf den reichen, aber auch super charmanten, Harry trifft, der aufgrund ihrer Rechnungen gar nicht zu ihr passen dürfte. Zeitgleich trifft sie aber auch ihren Ex-Freund John wieder, den sie einerseits wegen seiner Armut verlassen hatte.

Meine Meinung

Ich mag Rom-Coms. Leider treffe ich eher selten auf gute. Und auch bei Was ist Liebe wert hatte ich so meine Zweifel nach dem Trailer. Das Prinzip Partnervermittlung und dann noch irgendwie eine verkorkste Dreierbeziehung mit Ex-Partner und natürlich dem klischeeigen Millionär, klang nicht nach einem Erfolgskonzept. Nun, ist es auch im Nachhinein nicht. Allerdings auch nicht das größte Problem an dem Film. 
Aber fangen wir am Anfang an. Wir lernen zunächst Lucy kennen, die ewig positive Partnervermittlerin, die von ihrem super tollen Job schwärmt, aber zeitgleich nur darüber lästert, wie schwer es doch sei, den Kund*innen klar zu machen, dass sie keine Traummänner backen kann. Dass Lucy dabei von Dakota Johnson gespielt wurde, war auch nicht sehr hilfreich, denn mit der sehr eingeschränkten Mimik, wird auch nicht unbedingt die dringend erforderliche Sympathie gezeigt. Wie durch ein Wunder schafft sie es dennoch alle Leute in ihrem Umfeld zu betören und dabei immer wieder die gleichen Phrasen zur Liebe zu wiederholen. Auftritt Millionär Henry, der sie aus irgendeinem Grund dennoch anziehend findet und um ein Date bittet. Dabei ist es ihm total egal, dass sie aus beruflicher Erfahrung weiß, dass sie nicht zusammen passen. Denn natürlich passt man nur zusammen, wenn gewisse Faktoren gleich sind, wie Einkommen, Attraktivitätslevel, familiärer Hintergrund oder Interessen. Und auch, wenn Pedro Pascal gerade im Kino sehr überpräsent ist, liefert er hier eine solide Performance ab. Für die Eindimensionalität seines Charakters kann er schließlich nichts und versucht alles raus zu holen. 
Dann haben wir noch Chris Evans als Ex und auch, wenn sich die beide ewig nicht gesehen haben, funktioniert er auch sehr schnell wieder als bester Freund. Und auch, wenn Evans ebenfalls nicht das größte schauspielerische Repertoire hat, so reicht es doch für seine Rolle als Ex, den Lucy natürlich nur verlassen hat, weil er arm ist. Die gescheiterte Schauspielexistenz ist da kein Hinderniss. 
Und damit haben wir auch schon die Hauptprobleme des Films zusammen. Zum einen das absolut pseudo-poetische Drehbuch, das sich super ernst nimmt und wirklich versucht mit den üblichen Klischees eine hochtrabende Geschichte über die Bedeutung von Liebe zu erzählen. Leider wirkt es dabei eher wie eine Satire auf die eigene Geschichte. Denn Hauptproblem Nummer Zwei Lucy ist einfach nur super oberflächlich und unsympathisch. Während sie John wegen seiner Armut verlassen hat, findet sie natürlich genau den Reichtum an Henry super anziehend. Kurz bevor die beiden das erste Mal miteinander schlafen, muss natürlich noch geklärt werden, wie viel die Wohnung wert ist. Egal, ob Verhütungsmethoden abgeklärt sind, Immobilienwerte sind wichtig. Also mir ist nicht klar, warum auch nur einer von beiden auf sie steht. Und warum John sie nach all den Jahren, in dem sie auf ihn herabgeblickt hat, nun zurück will. 
Aber der Film wird noch wesentlich problematischer. Denn, wo Männer auf Frauen treffen, gibt es eben auch Übergriffigkeiten. Und weder die Naivität Lucys noch die Abgebrühtheit ihrer Chefin sind positive Beispiele für den Umgang mit dem Thema. Wobei die Geschichte aus der Sicht der betroffenen Frau vermutlich eine gute Gesellschaftskritik abgegeben hätte. 
So haben wir weder wirkliche Romantik, weil alles sehr oberflächlich bleibt, und die Comedy fehlt gänzlich, da sich der Film selbst sehr ernst nimmt. Damit hat die Marketingabteilung das völlig falsche Publikum ins Kino gelockt. Aber nun, immerhin wurde Publikum ins Kino gelockt. 

Das Fazit

Was ist Liebe wert – Materialists ist ein als Rom-Com vermarktetes Drama, das sich unfassbar wichtig nimmt, dabei aber absolut oberflächlich und stellenweise sogar problematisch daher kommt. Auch schauspielerisch kann der Cast nur bedingt überzeugen. Dafür gibt es 04 von 10 möglichen Punkten.

Was ist Liebe wert – Materialists läuft seit dem 21.08.2025 in den deutschen Kinos

Wunderschöner

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Ein Vorwort

Dass Karoline Herfurths Regiedebüt SMS für dich einer meiner absoluten Lieblingsfilme ist, habe ich bestimmt schon mehrfach erwähnt. Während mich Einfach mal was schönes nicht ganz überzeugen konnte, waren es doch gerade die verschiedenen Perspektiven in Wunderschön und die gut aufgearbeiteten feminsitischen Themen, die mich überzeugen konnten. Doch war ich bei der Fortsetzung doch skeptisch, ob die Geschichte erneut so gut funktionieren könnte. Wie es letztendlich ausging, erfahrt ihr in meinem heutigen Beitrag.

Der Name des Films als Fanart mit Kinoticket auf einer Filmklappe

Die Handlung

Sonja und Milan haben sich getrennt und versuchen für die Kinder ein Nestmodell, doch auch das bringt Probleme mit sich. Ihre beste Freundin Vicky organisiert ein Schulprojekt, das nicht bei allen auf Begeisterung stößt. Milans Schwester Julie hat ihre Modelkarriere an den Nagel gehängt und versucht einen Neuanfang beim Fernsehen, bekommt es da aber mit Übergriffigkeiten zu tun. Nadine arbeitet ebenfalls beim Fernsehen und gehört dort zur Elite. Doch als sie erfährt, dass ihr Mann mit einer Prostituierten geschlafen hat, bricht für sie eine Welt zusammen.

Meine Meinung

Dass feministische Themen auch im Kino funktionieren können, bewies der erste Teil „Wunderschön“, da er mit Platz 1 der deutschen Kinocharts und dem besten Start eines deutschen Films nach der Pandemie aufwarten konnte. Die Fortsetzung hatte nun nochmal mehr Budget und auch mehr Themen im Gepäck. Und hier hatte sich Regisseurin Herfurth wieder einiges vorgenommen.
Aber fangen wir am Anfang an. Wir haben wieder verschiedene kleinere Geschichten, die sich in ihrer Gesamtheit zu einer großen zusammenfügen. Durch Überschneidungen bei Charakteren und Handlungsorten, greifen alle Episoden ineinander und werden gekonnt parallel erzählt. Zum einen haben wir da Sonja und Milan, die wir bereits aus dem ersten Teil kennen. Haben sie da zusammen als Paar versucht mit zwei Kindern zurecht zu kommen und vor allem Sonja mit den Veränderungen, die ihr Körper und ihr Leben als Mutter durchgemacht haben, zurecht zu kommen, so gab es hier erst einmal die Ernüchterung. Denn die beiden haben sich getrennt. Dabei hatten wir doch nicht die perfekte, aber die lebensnahe Liebesgeschichte der beiden miterlebt. Dennoch versuchen sie sich durch Therapie und dem sogenannten Nestmodell für die Kinder zusammenzureißen. Doch dann trifft Milan sich mit einer neuen Frau und Sonja erlebt das typische „Was hat sie, was ich nicht habe“ Drama inklusive wieder der Frage nach dem eigenen Körperbild.
Als zweiten Handlungsstrang haben wir Milans Schwester Julie. Nachdem sie im ersten Film eine Modellkarriere anstrebte und dadurch in die Magersucht geriet, hat sie diese hier therapiert – wenn auch nicht final überwunden, solche Erkrankungen bleiben oft lange heften und das wird hier gut aufgearbeitet – und versucht nun eine Karriere beim Fernsehen, aber im Hintergrund und nicht direkt vor der Kamera. Dort macht sie die Erfahrung eines Übergriffes durch einen Kollegen. Überwältigt von den Gefühlen des Ekels und der Fassungslosigkeit, bekommt sie jedoch keinerlei Verständnis oder Unterstützung, stattdessen muss sie sehen, wie ihr Kollege permanent verteidigt wird.
Dass alles hätte wohl schon für einen ganzen Film gereicht, aber Herfurth hat noch einen Handlungsstrang im Ärmel. Denn wir haben beim Fernsehen auch neue Charaktere. Allen voran Nadine. Sie gehört zur Elite beim Sender und brüstet sich mit ihrem makellosen Aussehen. Botox gehört zu ihrem Alltag und mit ihren Freundinnen lästert sie gerne über die nicht ganz so perfekte Kollegin aus dem Politikbereich. Doch als bekannt wird, dass ihr Mann eine Affäre mit einer Prostituierten hatte, gerät ihr perfektes Leben ins Wanken. Doch hier wird sich nicht nur auf die verletzte Frau gestürzt, nein hier geht es auch explizit um das Thema Prostitution und was viele Frauen durchmachen. Wie sie mit Versprechungen in unser Land gelockt werden, um dann unter rücksichtlosen Umständen ihren Körper verkaufen müssen. Hier wird sich mit dem Thema auch nicht zurückgehalten und Gegenstimmen auch gekonnt entkräftet.
In den ganzen großen Geschichten kommt die von Sonjas bester Freundin Vicky fast etwas kurz. Die organisiert eine Projektwoche an der Schule und will dort über feministische Themen sprechen. Hier trifft sie auf Nadines verwöhnte Tochter, die das alles für Mist hält. Bis sie sich selbst mit dem Thema auseinander setzen muss.
Ganz schön viel los in den 138 Minuten Film. Dennoch schafft Herfurth es erneut die Balance zu halten und alle Geschichten gleichberechtigt anzusprechen. Und auch, wenn bei manchen größere Schicksale dahinter stehen, so haben sie doch alle ihre Daseinsberechtigung und gehören angesprochen. Durch die gut ausgearbeiteten Charaktere und den (teilweise leider) sehr lebensnahen Geschichten, berührt und schockiert der Film gleichermaßen.
Manch einem könnte ein wenig der Feelgood Charme des ersten Teils fehlen, aber das hat der Film auch nie versprochen. Und in seiner Gesamtheit weiß Wunderschöner, wann er knallhart draufhalten muss und wann er uns wieder die „leichteren“ Geschichten präsentieren muss. Hier wird gelungen die Waage gehalten. Dennoch bleibt der Film leicht hinter seinem Vorgänger zurück, was bei mir aber auch mehr ein Gefühl ist und ich nicht so direkt mit Argumenten begründen kann.

Das Fazit

Wunderschöner wagt den Schritt die Themen zu vergrößern und macht sich damit bestimmt nicht nur Freunde. Dennoch weiß er die Waage zu halten und präsentiert gut ausgearbeitete feministische Themen mit tollen und nachvollziehbaren Charakteren. Dafür gibt es 08 von 10 möglichen Punkten.

Wunderschöner läuft seit dem 13.02.2025 in den deutschen Kinos

Die Ironie des Lebens

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Ein Vorwort

Ein alterner Schauspieler, der es sich nicht eingestehen mag, flache Witze und ein bisschen Familiendramatik. Eigentlich hatte Die Ironie des Lebens alles für eine schlechte deutsche Komödie. Herausgekommen ist ein Film, der irgendwie nicht ins Klischee passt, aber auch nur bedingt darüber hinauswächst. Was der Film letztlich alles kann, erfahrt ihr in meinem heutigen Beitrag.

Der Filmtitel als Fanart vor Filmklappe.

Die Handlung

Edgar tourt mit Ende 60 noch immer durch Deutschland und macht seinem Ruf als erfolgreicher Comedian alle Ehre. Doch abseits der Bühne ist er in sich gekehrt und einsam. Bis er nach 25 Jahren wieder auf seine Ex-Frau trifft, die unheilbar an Krebs erkrankt ist. In ihren letzten Tagen kommen sie sich wieder näher und Eva beschließt spontan ihn auf seiner Tour zu begleiten.

Meine Meinung

Nach dem Trailer war für mich eigentlich klar, dass wir wieder eine typische deutsche Komödie bekommen würden, diesmal mit einem Uwe Ochsenknecht, dem man sein Alter inzwischen halt auch ansieht. Zum Kinofest für einen günstigen Preis habe ich mir dann doch ein Ticket gekauft und war auf das Schlimmste gefasst. Nur, dass das Schlimmste gar nicht eingetreten ist. Stattdessen präsentiert sich der Film erstaunlich nachdenklich und reklektiert die Handlungen der einzelnen Charaktere.
Aber von Anfang an. Zunächst lernen wir Edgar kennen. Er ist Comedian, aber inzwischen ein bisschen in die Jahre gekommen. Das will er jedoch nicht einsehen, ebenso wenig, wie die Einsamkeit in seinem Leben. Lieber lenkt er sich auf der Tour durch die Aufmerksamkeit ab, die ihm zuteil wird. Bis auf einmal seine Ex-Frau wieder in sein Leben tritt. Sie teilt ihm mit, dass sie erkrankt ist und sich aber gegen die Behandlung entschieden hat. Das kann Edgar aber nicht zulassen und versucht sie nun umzustimmen. Dabei muss er sich mit seinen Kindern auseinander setzen, die sich von ihm entfremdet haben, da er sie noch in ihrer Kindheit verlassen hat.
Gerade dadurch wird auch das gesamte Drama deutlich. Während seine Tochter alles eher locker nimmt und mit einer schrittweisen wieder Annäherung keine Probleme hat, blockt der Sohn alles ab, da er sich noch genauer an die vielen gebrochenen Versprechungen erinnern kann und gerade die Verwertung seiner Mutter in Edgars Bühnenprogrammen als problematisch ansieht. Dabei ist es aber gerade Eva, die Ex-Frau und Mutter, die sehr still bleibt und vieles über sich erzählen lässt, aber dennoch wird deutlich, dass sie mit ihrer Entscheidung zufrieden ist. Sie lebt ihre letzten Tage so, wie sie ihr vorheriges Leben gelebt hat, und scheint keine verpassten Chancen zu bereuen.
Dabei ist es gerade Corinna Harfouch und ihr sehr bedachtes Spiel, was dem Film die nötige Tiefe gibt. Uwe Ochsenknecht wird seiner Rolle als Edgar durchaus gerecht. Dabei verkörpert er gut die Grobheit des Charakters, der seine narzistischen Charakterzüge zwar hinterfragt, aber nicht eingedämmt bekommt. Dadurch bekommt der Film auch noch die Ebene der Angehörigen, die alle unterschiedlich reagieren.
So richtig schafft Die Ironie des Lebens es leider nicht eine Aussage zu treffen und über die Grundaussage hinwegzukommen. Aber trotz des schweren Themas, ist der Film sehr lebensbejahend. Und statt sich von Witz zu Witz zu hangeln, bleibt der Humor rein auf der Bühne von Edgars Shows. Darüber hinaus ist der Film sehr nachdenklich, hätte aber an einigen Stellen nochmal entschiedener auftreten können.

Das Fazit

Die Ironie des Lebens nimmt sich dem schweren Thema an, setzt dieses auch aus verschiedenen Blickwinkeln um. Dabei ist es der nachdenkliche Ton, der gut funktioniert, aber es fehlt ein wenig die Entschlossenheit wirklich von der üblichen deutschen Komödie abzulassen. Dafür gibt es 06 von 10 möglichen Punkten.

Die Ironie des Lebens läuft seit dem 05.09.2024 in den deutschen Kinos

Zwei zu eins

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Ein Vorwort

Über die DDR wurden schon viele Filme gedreht und unzählige Geschichten erzählt. Über die Zeit kurz vor der Wiedervereinigung und wie chaotisch es zu den Zeiten im Osten war, nach und nach immer mehr Leute ihren Job verloren und nicht so richtig wussten, wie es weitergehen soll, wurde bisher meist geschwiegen. Warum die Geschichte nicht mit einem gewissen Augenzwinkern und dann auch noch nach wahren Begebenheiten? Was Zwei zu Eins so kann, erfahrt ihr in meinem heutigen Beitrag.

Die Handlung

1990 ist das Ende der DDR besiegelt. Die Arbeitslosigkeit steigt und die Frist zum Umtauschen des Geldes in Westmark steht bevor. Doch die Bewohner eines Hochhauses finden durch Zufall in einem bewachten Schacht die eingelagerten Millionen der bald wertlosen Ostmark. Sie entwickeln ein ausgeklügeltes System, um das Geld umzutauschen.

Meine Meinung

Der deutsche Film ist ja immer so eine Sache. Durch die (leider meist schlechten) großen Komödien, ist der Ruf sehr schlecht, da auch immer wieder der gleiche Mist gefördert wird. Dazwischen finden sich dann noch die Geschichtsdramen, die auch meist eher nicht begeistern können. Doch, wenn man ganz genau hinschaut, dann findet man sie. Die kleinen Perlen, die nicht versuchen super lustig zu sein, sondern wirklich mal eine Geschichte erzählen wollen. Die nicht den ganz großen Cast aus den immer gleichen Gesichtern haben. Okay, in diesem Jahr war zumindest Sandra Hüller ein gutes Indiz für einen gelungenen deutschen Film, konnte doch bereits The Zone of Interest überzeugen.
Die nächste kleine Perle ist Zwei zu Eins. Und zwar, weil er sich eben nicht auf die billigen Witze anderer Genrevertreter verlässt, sondern diese aus der Situation heraus aufbaut. Aber von Anfang an: Wir treffen auf Maren und Robert, die in ihrer Plattenbausiedlung die Tage zwischen Ende der DDR und Wiedervereinigung ganz in Ruhe angehen. In ihrem Umfeld verlieren immer mehr Bekannte ihren Job und allgemein ist die Stimmung irgendwo zwischen Feiern und Trauer. Mit dem Auftauchen von Volker bekommen wir dann die erste Diskussion über die Themen, die wohl viele damals beschäftigt haben. Denn Volker ist in die BRD geflohen und kehrt nun durch die offenen  Grenzen zurück. Nach dem Fund des Geldes geht es dann auch locker weiter mit einer gelungenen Mischung aus Situationskomik und ernsten Themen. Wie die  „Wessis“ noch schnell versucht haben ihre Produkte an den Osten zu verkaufen, während dort immer mehr (auch gut laufende) Betriebe dicht gemacht werden. Und wie eben diese zum Spottpreis verkauft wurden. 
So ist die Grundstimmung des Films durchaus gut und die Geschichte entwickelt sich, ohne, dass zu bewusst Drama geschührt oder zu bewusst Witze eingebaut wurden. Dies entwickelt sich alles schon aus der Absurdität der Situation heraus. Regisseurin Natja Brunckhorst mag noch relativ neu auf dem Regieposten sein, doch landet mit Zwei zu Eins schon einen Volltreffer. Die kleinen Töne dazwischen zu treffen, gelingt ihr wunderbar und auch wenn die Dreiecksgeschichte zwischen Maren, Robert und Volker ein wenig zu viel ist, bleibt sie doch stehts bei der Haupthandlung.
Wer eine typisch deutsche Komödie erwartet und von einem billigen Gag zum nächsten hetzen will, der ist hier falsch. Wer einen hochkorrekten und ernsten Historienfilm erwartet, ebenfalls. Wer von beidem etwas, aber vor allem ein sinniges Drehbuch erwartet, herzlichen Glückwunsch, das ist genau das passende Film. Und davon doch gern mehr!

Das Fazit

Zwei zu Eins ist eine intelligent geschriebene Komödie, die ihre Witze natürlich wachsen lässt und das Drama an die historischen Gegebenheiten anpasst und genau damit ins Schwarze trifft. Eine kleine Perle am deutschen Filmhimmel. Dafür gibt es 08 von 10 möglichen Punkten.

Zwei zu Eins läuft seit dem 25.07.2024 in den deutschen Kinos

All of us strangers

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Ein Vorwort

Dass Hollywood auch gut japanische Romane verfilmen kann, hat vorletztes Jahr bereits Bullettrain eindrucksvoll bewiesen. Da wurde jedoch der eher ruhige Grundton des Buches, wie bei japanischen Romanen auch üblicher, bewusst ins Hollywood-Actiongenre gesteckt. Bei All of us strangers, das lose auf dem Buch von Taichi Yamada basiert, ist genau dies nicht der Fall. Warum der Film auf ganz andere Art berührt, erfahrt ihr in meinem heutigen Beitrag.

Die Handlung

Adam lebt in einem fast leeren Hochhaus und arbeitet an einem Buch. Dabei trifft er auf Harry, den einzig anderen Bewohner des Hauses. Sie kommen sich schnell näher und Adam beschließt sich seiner Vergangenheit zu stellen und reist zu seinem Elternhaus. Doch obwohl diese bereits vor vielen Jahren verstorben sind, ist es bewohnt.

Meine Meinung

Einsamkeit ist wohl eine der gemeinsten Emotionen. Wir empfinden sie in den unterschiedlichsten Situationen. Alleine und verlassen, aber auch umringt von Menschen. All of us strangers widmet sich genau dieser Emotion in all seinen Facetten. Ein Hochhaus mitten in der Großstadt, wo man meinen sollte, so umringt von Menschen kann man gar nicht einsam sein, und doch gleich zwei einsame Seelen allein in dem neuen Komplex. Sie finden zusammen und doch bleibt ein Gefühl von Einsamkeit.
All of us strangers ist ein Film, der über seine komplette Länge sehr ruhig erzählt wird. Kaum ein wirklich „aufregender“ Moment ist dazwischen. Er lullt einen mit seinem langsamen Aufbau ein und wiegt einen gleichzeitig in Sicherheit. Doch Sicherheit ist etwas, was dieser Film nicht bietet. Denn jede Szene ist lediglich ein Anlaufnehmen, um einem immer wieder die kleinen Momente um die Ohren zu hauen. Die einem das Gefühl von Familie und gleichzeitig von Verlust vermittelt. Vom Finden und vom wieder Verlieren. Ein Film, der einen in den Arm nimmt und doch zitternd alleine lässt.
Je weniger man vorher von dem Film weiß, desto erbarmungsloser ist er. Wir haben eine Liebesgeschichte, die einem so viel gibt und doch wieder so viel nimmt. Die Szenen mit Adams Eltern berühren einen und lassen einen im Film ankommen, nur um dann wieder mit Einsamkeit und Verlust konfrontiert zu werden. Und während ich all meine Empfindungen während dieses Film hier versuche in Worte zu fassen, kann ich die Essenz des ganzen doch nicht ausreichend formulieren, um dieser kleinen Perle gerecht zu werden.
Dies ist kein Feelgood Film. Dies ist ein Film, bei dem man eine Menge Taschentücher braucht, obwohl er nie offensichtlich auf die Tränendrüse drückt. Aber er weiß, wo er ansetzen muss und einzelne Aspekte beinahe im Nebensatz erwähnt, die einem den Boden unter den Füßen wegziehen. Es ist ein Film, der einen nicht einfach ziehen lässt. Er verändert einen und aus dem Kinosaal zu kommen und auf einmal wieder von einer lärmenden Menschenmenge umgeben zu sein, war so surreal, wie ich es sonst selten nach einem Film empfinde.
Während die Bilder meist eher einfach gehalten wurden, sind es gerade die Schauspielenden, die hier alles geben und alles aus dem Film rausholen. Man hätte keinen besseren Cast für den Film finden können und das weder Film noch Darsteller*innen bei den Oscars berücksichtigt wurden, ist eine Schande.

Das Fazit

All of us strangers ist ein Film, der einem gerade durch seine ruhige Erzählart zerstört. Man wird eingelullt durch die unaufgeregten Bilder und den tollen Cast, nur damit einem die Geschichte dann den Boden unter den Füßen wegzieht. Dafür gibt es 08 von 10 möglichen Punkten.

All of us strangers läuft seit dem 08.02.2024 in den deutschen Kinos

Heimwärts

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Ein Vorwort

Ich liebe die Bücher von Kate Morton, seit ich durch Zufall über „Die fernen Stunden“ gestolpert bin. Ein ums andere Mal konnte sie mich verzaubern, in den Bann ziehen und aus der Realität entfernen. Mit Heimwärts ist der Name Programm, denn Morton holt uns in ihre eigene Heimat Australien. Wie mir die Reise nach Down Under gefallen hat, erfahrt ihr in meinem heutigen Beitrag.

Die Handlung

1959 findet ein Reisender die Familie Turner nach einem Picknick am Fluss tot auf. Das Geschehene erschüttert den beschaulichen Ort Tambilla. 2018 kehrt Jess von London nach Sydney zurück, da ihre Großmutter Nora gestürzt ist. Im Krankenhaus scheint Nora verwirrt zu sein und Angst zu haben, dass man ihr ihr Baby wegnähme. Jess versucht die Ursache herauszufinden und stößt auf ein altes Familiengeheimnis.

Meine Meinung

Die Verbindung zu Kate Mortons Heimat Australien war auch bereits in früheren Werken mal Thema, dennoch spielten ihre Bücher bisher eher in Großbritannien, Mortons Wahlheimat. Doch durch die Corona Pandemie zog sie mit ihrer Familie zurück nach Australien. Diesen Aufbruch zu den Wurzeln hat sie in ihrem neuen Werk verarbeitet. Und das dieser Roman in schweren Zeiten geschrieben wurde, merkt man ihm durchaus an, schwingt doch überall eine gewisse Schwere mit.
Das Problem mit Werken von Lieblingsautor*innen ist, dass die Erwartungen unglaublich groß sind. Und auch wenn im Nachhinein betrachtet mir auch nicht jedes vorherige Werk so gut gefallen hat, wie „Die fernen Stunden“, so hatte ich dennoch mit Heimwärts zunächst größere Probleme. Ich bin einfach nicht in die Geschichte reingekommen. Das liegt allerdings nicht an unserer Protagonistin, denn mit Jess bin ich sehr schnell warm geworden. Noch in Großbritannien fand ich sie mit der gescheiterten Beziehung etwas klischeebeladen, aber sobald sie in Australien agiert, mochte ich sie sehr.
Mein Problem an der Geschichte liegt wohl eher am Buch im Buch. Denn die Geschehnisse aus dem Jahr 1959 wurden hier nicht lebendig als Rückblenden erzählt, sondern in Form eines eigenen Buches von einem fiktiven Journalisten geschrieben. Ich verstehe, warum dies genutzt wurde, aber die Distanz, die dadurch geschaffen wurde, ist beim Lesen sehr kontraproduktiv. Ich habe mich ertappt, wie ich am Beginn eines solchen Kapitels nachgeschaut habe, wann es wieder ein „normales“ Kapitel gibt. Dadurch, dass es aus Sicht eines Außenstehenden erzählt wurde, hatten wir natürlich einen sehr unzuverlässigen Erzähler, wobei die Wendungen und Enthüllungen am Ende des Buches (für mich) unvorhersehbar waren, aber der Preis dafür war, dass es mich kaum noch interessiert hat.
In Heimwärts befasst sich Kate Morton viel mit dem Thema Familie und Identität und was die beiden miteinander zu tun haben. Das fand ich sehr interessant umgesetzt, zumal sich das Motiv über drei Generationen hinweggezogen hat. Dennoch schien Morton hier immer wieder abzuschweifen und trotz einer Dicke von fast 700 Seiten, wurden nicht alle Fäden final dem Roten hinzugefügt.
Was Heimwärts auf jeden Fall bietet ist Mortons toller Schreibstil, den ich immer wieder bewundere, eine Handlung mit spannenden Enthüllungen am Ende und vor allem eine wunderbare Beschreibung von Australien im Sommer. Vor allem South Australia wurde hier gut eingefangen und der für uns merkwürdige Kontrast von heißem Sommer und Weihnachten zeigte deutlich die andere Realität in Down Under. Dabei fühlte man sich stets in der Ferne, ohne die gängigen Klischees über Australien einbauen zu müssen.
So war Heimwärts in seiner Gesamtheit auf jeden Fall ein starkes Buch und ohne Vorwissen zu Mortons anderen Werken hätte es mir wohl wesentlich besser gefallen. Nur im Vergleich zu ihren anderen Werken kann es einfach nicht final mithalten.

Das Fazit

Heimwärts bietet eine fantastische Reise ins sommerliche Australien, mit den Morton typischen Wendungen, einer tollen Protagonistin, alles durchzogen von einer gewissen Melancholie. Durch das Buch im Buch wird der Erzählfluss regelmäßig gestoppt, was ein wenig störend ist. Trotz kleinerer Stolperer war es wieder ein sehr starkes Buch, das lediglich im Schatten der bisherigen Werke der Autorin steht.

Heimwärts wurde mir von Heyne als Rezensionsexemplar zur Verfügung gestellt. Vielen Dank dafür! Ich kennzeichne diesen Beitrag hiermit als Werbung.

Das Kleid

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Ein Vorwort

Um Vorurteile abzubauen hilft in der Regel nur eins: Sich mit dem Thema auseinander zu setzen. Wie könnte das besser klappen, als durch einen gut erzählten Film, der einen mitnimmt durch die Geschichte und zwischendurch die bestehenden Vorurteile aufgreift und widerlegt? Genauso einen Film wünschte ich mir zum Thema trans. Bekommen habe ich einen Film, der bereits mit der Nennung des Deadnames im Titel (bei mir ist der Filmtitel daher angepasst) beweist, dass er nichts verstanden hat. Dennoch war ich neugierig, was der Film darüber hinaus kann. Warum es sehr schwierig wurde, erfahrt ihr in meinem heutigen Beitrag.

Die Handlung

Ben (Florian David Fitz) ist seit 1,5 Jahren von seiner Frau getrennt, sieht die beiden gemeinsamen Kinder nur zu Besuchstagen und ist in seinem Job als Polizist unglücklich. Um das zu kompensieren trinkt er zu viel Alkohol. Als seine Ex-Frau mit Vorwehen ins Krankenhaus kommt, will er seine Kinder nicht bei deren neuen Lebensgefährten lassen und holt sie kurzerhand ab. Dabei stellt er fest, dass sich eins der Kinder als trans identifiziert und fortan unter dem Namen Lily lebt. Damit will sich der überforderte Vater jedoch nicht anfreunden und versucht alles, um sie von dieser „Modeerscheinung“ wieder abzubringen.

Meine Meinung

Das Kleid könnte man wohl als Drama mit komödiantischem Anteil einordnen, so wie es deutsche Filme gerne mal sind, wenn sie sich einem schwierigeren Thema annehmen. Grundsätzlich ist das auch ein schöner Ansatz, dem Drama ein bisschen von der Schwere zu nehmen und ab und an etwas aufzulockern, damit es eine breitere Masse anzieht und das Thema so vermittelt werden kann. Dennoch scheitert es bei Das Kleid bereits am grundsätzlichem.
Statt die Geschichte aus der Sicht des betroffenen Kindes erzählt zu bekommen, geht es vordergründig um Fitz als Vater. Hier werden gleich mehrere Baustellen aufgemacht, wie das Alkoholproblem, dass er nicht mit der Trennung von Ex-Frau und damit auch von den Kindern zurechtkommt. Er fühlt sich permanent ausgeschlossen und als würde seine Meinung nicht zählen. Umso penetranter beharrt er auch auf seiner Sicht der Dinge. Das alles wäre schon genug für einen Film und so fällt es der Handlung sichtlich schwer beim Augenmerk auf das trans Mädchen zu bleiben.
Grundsätzlich ist die Reaktion des Vaters wohl leider realistisch. Schilderungen von trans Menschen gehen leider sehr oft mit der Ablehnung im Elternhaus los. Dass Lily hier die uneingeschränkte Unterstützung der Mutter und dessen neuen Lebensgefährten hat, ist schon einmal Gold wert. Auch dass der Vater sich nur wenig mit dem Thema auseinander setzt und nur die wenigen psychologischen Schilderungen glaubt, die seine Meinung unterstützen, ist wohl leider auch nur realistisch. Dass hier jedoch nie das Gespräch mit dem eigenen Kind gesucht wird, sondern nur über sie hinwegentschieden wird, ist dann wohl die erste Schwäche des Films. Denn in einzelnen Szenen, wie bei einem Synagogenbesuch, wo der Fokus auf Lily liegt, zeigt sich, dass ihre Gedankenwelt wohl wesentlich spannender und aufschlussreicher wäre.
Das nächste Problem ist, dass wir durch das Spiel von Florian David Fitz Mitleid und Verständnis für einen regelmäßig alkoholisierten Vater mit Aggressionsproblem und eindeutig geäußerter Queerfeindlichkeit haben sollen. Dass es für ihn ja schwer sei. Dass es für ihn kompliziert sei sich mit dem Thema auseinander zu setzen, obwohl er von allen Seiten Angebote und Unterstützung bekommt.
So macht Das Kleid gefühlt einen Schritt vorwärts und zwei Schritte zurück. Immer, wenn man glaubte, dass der Groschen gefallen ist und endlich Verständnis für Lilys Situation da ist, dreht sich alles wieder und die permanente Nennung des Deadnames noch bis zum Ende, zeigt eigentlich das Protagonist gar nichts verstanden hat.
Dennoch ist nicht alles schlecht am Film. Denn stellenweise schafft er es durchaus nicht nur die Vorurteile aufzugreifen, sondern auch zu entkräften. Gerade durch den Kontrast von Lily zu ihrer Schwester Erna wird durchaus mit Geschlechterklischees aufgeräumt und gezeigt, dass sich Kindern in alle Richtungen entwickeln können, unabhängig vom Geschlecht. Die Themen Mobbing und notwendige Schulwechsel werden angesprochen und die Schule kommt dabei auch durchaus zu Wort, wenn in der Konsequenz gegen Ende auch nicht immer positiv. Das Jugendamt wird thematisiert und kann durchaus richtige Impulse geben. Und auch der Besuch von Ben bei einer älteren trans Frau ist positiv, wenn vielleicht auch zu kurz, um alle angesprochenen Themen richtig zu entfalten (das hätte den Film aber dann auch gesprengt).

Das Fazit

Das  Kleid hat durchaus gute Ansätze, die vielleicht mit einem größeren Fokus auf Lily auch funktionieren könnten, statt mit dem Vater immer mehr Probleme zu eröffnen. Gerade gegen Ende hätte die Entwicklung noch einmal eine andere Richtung einnehmen sollen und vielleicht hätte man soweit denken sollen nicht den Deadname im Titel zu verwenden. Dafür gibt es 05 von 10 möglichen Punkten.

Das Kleid läuft seit dem 22.12.2022 in den deutschen Kinos

Mrs. Harris und ein Kleid von Dior

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Ein Vorwort

Kaum etwas stört mich so sehr, wie wenn vor beinahe jedem Film in meinem ortansässigen Kino ein Trailer läuft, der mich total anspricht und auf den Film ich mich richtig freue und dann läuft dieser Film aber nicht in diesem Kino. So musste ich für Mrs. Harris mal wieder ein ganz schönes Stück weiter fahren. Ob sich der Aufwand gelohnt hat, erfahrt ihr in meinem heutigen Beitrag.

Die Handlung

Mrs. Harris arbeitet im London der 1950er Jahren hart als Reinigungskraft. Dabei ist sie stets freundlich und hilfsbereit. Als sie bei einer Kundin ein 500 Pfund Kleid von Dior entdeckt, erwacht in ihr der Traum genau so ein Kleid zu kaufen. Doch dafür sind ein paar Glücksfälle nötig, um die Reise nach Paris zu ermöglichen. Und damit enden die Stolpersteine noch lange nicht.

Meine Meinung

Es gibt diese Filme, die sich direkt in unser Herz spielen. Die gar nicht so groß viel Drama haben und doch einfach eine schöne Geschichte erzählen. So erging es mir mit Mrs. Harris bereits nach ihrem Trailer. Auch wenn ich ihren Wunsch nach einem Kleid von Dior nicht unbedingt teilen konnte, war es doch schön zu sehen, wie ihre Augen zu leuchten begannen, sobald sie das erste Kleid sah. Und so freute ich mich auf die Reise nach Paris, auch wenn ich der Stadt so relativ wenig abgewinnen kann.
Aber fangen wir am Anfang an. Wir lernen unsere Protagonistin in ihrem Alltag kennen. Als Reinigungskraft im Nachkriegs-London hat sie es als Witwe nicht einfach. Doch ihr großes Herz und ihre Güte legen bereits hier den Grundstein für eine märchenhafte Geschichte. Denn genau darauf baut der Film auf. Es ist die altbekannte Geschichte, wenn man nur freundlich und gütig ist, wird die Welt einem etwas zurückgeben. Davon kann man halten, was man mag, in diesem Film funktioniert es als Aufhänger wunderbar. Auch in ihrem Umfeld gibt es tolle Charaktere, die dennoch so ihre eigenen Probleme haben.
Hier fangen die ersten wunderlichen Begebenheiten an. Denn ab einem gewissen Punkt, hat sie einfach zu viel Glück. Zwar versucht der Film es durch kleinere Rückschläge glaubhaft zu halten, dennoch ist es etwas zu viel Glück, um realistisch zu sein. Darüber muss man hinweggucken können, um dem Zauber des Films zu erliegen. Auch in Paris hat sie mehr Glück als Verstand, was sich aber zu süßen kleinen Nebengeschichten spinnt, die sich wunderbar in die Haupthandlung einfügen.
Gerade hinten raus, wird es dann noch einmal stark übertrieben mit ihrem Charakter, so dass Mrs. Harris kurz vor der Schwelle war, nervig zu werden. Doch Leslie Manville spielt die Rolle mit einer Hingabe, dass auch die Entwicklung zu verzeihen ist. Bis zu diesem Moment hat ein dieses moderne Märchen bereits so um den Finger gewickelt, dass auch das völlig vorhersehbare Ende nichts daran ändern kann.
Schauspielerisch und Konstümtechnisch wird hier einiges geboten und dennoch bleibt alles subtil. Wer hier ein Märchen erwartet, wird genau das bekommen. Dafür ist es eben nötig über die Vorhersehbarkeit, die mangelnden Überraschungen und dem ein oder anderen „Deus ex machina“ (=Gott aus der Maschine) hinwegzusehen. 
So ist Mrs. Harris und ein Kleid von Dior ein Film zum Träumen und um sich in eine einfach schöne Geschichte fallen zu lassen.

Das Fazit

Mrs. Harris und ein Kleid von Dior erzählt eine schöne Geschichte, die etwas märchenhaftes hat, wobei man mit einer vorhersehbaren Handlung zurecht kommen muss, was hier aber nicht unbedingt negativ zu sehen ist. Dafür gibt es 07 von 10 möglichen Punkten.

Mrs. Harris und ein Kleid von Dior läuft seit dem 10.11.2022 in den deutschen Kinos