Der Herbst steht vor der Tür und bringt raues Wetter mit sich. Was eignet sich da besser als zwei lockere Sommerlektüren, bevor wir uns dieser Tatsache stellen müssen? Und so entführt uns Autorin Philippa Penn nach Nantucket ins Piper House. Warum ich beide Bücher sehr empfehlen kann, erfahrt ihr in meinem heutigen Beitrag.
Painting Trust
Die Handlung: Betty und Ewan waren das Traumpaar, obwohl sie aus verschiedenen Welten kamen. Doch eine Intrige lässt sie voneinander wegdriften und alles, was sie hatten steht auf der Kippe. Zurückgezogen in ihrem Ferienhaus Piper House im malerischen Nantucket kommen sie sich wieder näher. Können sie zurückbekommen, was sie einst hatten?
Meine Meinung: Es brauchte nur ein kurzes Gespräch auf der Buch Berlin, um mich zu überzeugen, das Buch zu kaufen. Das Setting mit Nantucket konnte mich schon überzeugen und dann die Beschreibung von Piper House. Hinzu kam, dass es um eine zweite Chance geht. Das Pärchen hat bereits das Kennenlernen, die auf und abs, die Hochzeit und alles hinter sich. Beim Lesen konnte ich mich auch so schnell in beide Protas einfinden und habe mit ihnen gelitten. Habe gehofft, gebangt und mitgefiebert. Der Schreibstil ist super flüssig und ich bin nur so durch die Seiten geflogen. Leider war das Zusammentreffen dann doch etwas überhastet und konnte die Emotionen der beiden nicht genug ausleben lassen. Es ging einfach alles sehr schnell und der Grund, warum sich die beiden nach all der Zeit von jetzt auf gleich trennten, ist dann so offensichtlich einfach eine Falle gewesen, dass ich nicht verstanden habe, warum Ewan darauf gefallen ist. Das war leider ziemlich schade, weil es mich mehr rausgerissen hat, als vermutet. Dennoch hat mich das Finale wieder sehr in Atem gehalten und die Suche nach dem Strippenzieher war gut ausgearbeitet, so dass ich wieder komplett mit der Geschichte ausgesöhnt wurde. So konnte ich eine Rückkehr nach Piper House kaum erwarten.
Chasing Harmony
Die Handlung: Die erfolgreiche Sängerin Willow Rose flieht vor ihrem toxischen Manager und nimmt das Angebot ihrer neuen Freundin Beth an, um sich in Piper House auf der Insel Nantucket zurückzuziehen. Allerdings kommt auch Beth Schwager auf die Idee. Nate steht schon eine ganze Weile unter dem Druck seines Vaters, weil er als Musiker noch immer nicht erfolgreich ist.
Meine Meinung: Zum Glück dauerte es nur bis zur Leipziger Buchmesse, bis ich Band 2 in den Händen hielt. Willow haben wir bereits kurz im ersten Band kennengelernt und schon da wollte ich ihre Geschichte wissen. Umso mehr habe ich mich gefreut, dass die Fortsetzung von ihr handelte. Wir sind zügig wieder in Piper House gelandet und haben diesmal die Kulisse des Hauses mit Garten und der Lage wesentlich mehr genießen können. Auch die Geschichte hat sich langsamer entwickelt, was aber auch an den Protagonist*innen lag, die sich selbst erstmal finden mussten. Beide haben ihre Päckchen zum tragen gehabt und mussten erst die Sicht auf sich selbst ändern, ehe sie über sich hinaus wachsen konnten. Diese Entwicklung ist nachvollziehbar gezeigt worden und konnte mich von der ersten bis zur letzten Seite begeistern. Damit mochte ich Band 2 ein bisschen lieber und wäre sehr offen für einen dritten Band.
Das Fazit
Piper House überzeugt durch ein tollen Setting, das malerisch beschrieben ein regelrechtes Fernweh auslöst. Die Dualität zwischen dem originalen Nantucket und dem old money Anwohnern ist gut beschrieben und schafft den Spagat, um kritisch genug zu sein, ohne den Charaktern ihren Background abzusprechen. Abgesehen von einem Kritikpunkt am ersten Band mochte ich beide Bücher richtig gern und empfehle die Reihe daher von Herzen.
Kevin James ist in seiner Karriere bisher eher für seine komödiantischen Rollen bekannt. Vor allem die vielen Filme mit Adam Sandler haben gezeigt, dass mein Verständnis von Humor und seine Werke nicht wirklich kompatibel sind. Umso abgeneigter war ich von ihm in der Hauptrolle dieser Rom-Com. Aber das Setting in Rom hat mich überzeugt und ich muss sagen, zum Glück, denn so schlecht war der Film dann doch nicht. Mehr dazu in meinem heutigen Beitrag.
Die Handlung
Matt Taylor erfüllt sich einen großen Traum und plant seine Hochzeit in Rom. Nur, dass seine Braut kalte Füße bekommt und ihn am Altar stehen lässt. Da er sein Flitterwochenpaket nicht mehr stornieren kann, nimmt er an den Paaraktivitäten als Single teil. Nebenbei lernt er in einem Café Gia kennen, die ebenfalls eine schwierige Trennung hinter sich hat. Die beiden kommen sich näher, doch Matt hat Angst ihr zu sagen, dass er vor ein paar Tagen noch heiraten wollte.
Meine Meinung
Wenn ich an außergewöhnliche Hochzeitslocations denke, ist Rom nicht unbedingt die erste Idee, die mir kommt. Aber die Stadt ist ein Setting, das irgendwie aus der Mode gekommen ist, und ein bisschen italienisches Lebensgefühl schadet ja auch nicht. So zog mich das ganze Drumherum viel mehr an, als der Trailer an sich. Und zunächst scheint es auch einfach der typische „am Altar verlassen“ Plot zu werden, aber irgendwie hatte der Film auch direkt einen gewissen Charme. Aber beginnen wir am Anfang. Wir lernen Matt Taylor und seine Verlobte nur kurz kennen. Eine schöne Szene der beiden Lehrenden bei seinem Antrag umringt von ihren Schüler*innen. Schon sind wir in Rom und die Hochzeit soll in wenigen Minuten starten. Nur, dass die Braut verschwunden ist. Die verzweifelte Suche, das Finden des Briefs, der Versuch sie zurückzuholen. All das ist nicht neu, bildete aber auch nur die Grundlage. Denn der eigentliche Film beginnt erst, wenn Matt erfährt, dass er sein Flitterwochenpaket nicht stornieren kann. Ab hier treffen wir auf zwei weitere Paare, die das gleiche Paket gebucht haben und jede auf ihre Art völlig überzeichnet und teilweise toxisch ist. Aber das ist hier tatsächlich verzeihbar, denn der Punkt ist klar: Matt war mit seiner Verlobten vermeintlich viel glücklicher, aber die anderen haben die Hochzeit zusammen durchgezogen. Die Frage des Warums steht hier immer wieder im Raum, aber machen wir uns nichts vor: Tiefgründige Antworten finden wir hier nicht. Doch durch das Auftauchen von Gia bekommt der Film eine neue Richtung. Wir bekommen Hoffnung und vorallem trotz eigener Probleme ein gewisses Gefühl für die Leichtigkeit in der Mentalität der Italiener*innen. Vielleicht geht es mit den beiden ein bisschen schnell. Plötzlich befinden wir uns im Anwesen von Gias Familie, Andrea Boticelli taucht auf und neben Fanboy Momenten Matts und seiner Freunde, gibt es auch mal ein Liedchen. Was sich deplatziert anhört, harmoniert erstaunlich gut mit der Geschichte und so fühlt es sich trotz allem irgendwie rund an. Auch der Humor ist entgegen meiner Befürchtungen größtenteils gut gewählt und ergibt sich eher aus den Situationen, als dass plumpe Oneliner fließen. So haben wir zwar ausgewählte Klischees, aber auch irgendwie erfrischende Charaktere, die so sehr nicht passen, das sie schon wieder wunderbar in diesen Film gehören. Es werden genügend Emotionen erzeugt, dass ich mit Matt mitgefühlt und Gia und seine neuen Bekanntschaften schnell ins Herz geschlossen habe. Denn Solo Mio will eben nicht viel. Keine große Geschichte, keine großen Gesten, keine großen Gefühle. Nur eine warmherzige süße kleine Geschichte, die in Italien wunderbar ansässig ist und irgendwie ein gutes Gefühl hinterlässt. Ein Film, der aber auch weiß, dass er nicht mehr ist und auch gar nichts größeres anstrebt. Und damit ist er einer der besten Rom-Coms, die ich in den letzten Jahren gesehen habe.
Das Fazit
Solo Mio ist eine süße Rom-Com, die Fernweh nach Italien auslöst, die Geschichte rund, wenn auch mit einigen Ecken und Kanten erzählt und dabei lediglich gut unterhalten will, statt große Thematiken aufzuwühlen. Und das macht er auf gute Weise, wird jedoch nicht lange im Gedächtnis bleiben. Dafür gibt es 07 von 10 möglichen Punkten.
Solo Mio läuft seit dem 28.05.2026 in den deutschen Kinos
Zwanzig Jahre nach dem erfolgreichen ersten Film, der bis heute ikonische Szenen beinhaltet, kam nun doch eine Fortsetzung in die Kinos. Bereits 2013 wurde ein zweiter Band der Buchvorlage veröffentlicht, doch Meryl Streep lehnte stets ab wieder in ihre Rolle der Miranda Priestly zu schlüpfen. Bis jetzt. Warum die Hoffnungen auf eine wirkliche Weiterentwicklung der Geschichte jedoch vergebens sind, erfahrt ihr in meinem heutigen Beitrag.
Die Handlung
Vor 20 Jahren ist Andy Sachs aus der Redaktion der Modezeitschrift Runway ausgeschieden. Nun kehrt sie auf Bestreben des Eigentümers zurück, um einen Skandal zu reduzieren, und legt sich erneut mit Miranda Priestly an, die über diese Einmischung keineswegs begeistert ist.
Meine Meinung
Ich bin ganz ehrlich: Ich konnte den Hype um Der Teufel trägt Prada nie nachvollziehen. Ich fand ihn nicht witzig, ich fand das Verhalten von Miranda Priestly nie in Ordnung und Andy Sachs war auch nie sympathisch, wie sie mit ihren Freundschaften umging. Also habe ich bei der Ankündigung auf einen zweiten Teil nur müde mit der Schulter gezuckt. Aber nach einigem hin und her habe ich ihm doch eine Chance gegeben, weil ich einfach neugierig war, ob sie sich in zwanzig Jahren irgendwie weiterentwickelt haben. Und zunächst sah es auch danach aus. Andy Sachs ist eine preisgekrönte Journalistin und kämpft mit dem weiteren Abbau von Stellen, da sich Printmedien einfach nicht mehr verkaufen. Aber dann wird ihr ein Job bei Runway angeboten und sie freut sich, wieder unter ihrer früheren Chefin zu arbeiten. Miranda Priestly kämpft nämlich gerade mit einem Skandal, den Andy durch gute Artikel gerade biegen soll. Natürlich will Miranda nichts davon wissen und behandelt Andy wieder herablassend und abwertend. So weit so bekannt und vorhersehbar. Aber hier versucht der Film wenigstens noch den Wandel im Journalismus zu zeigen und Miranda wird mehrfach durch ihre Äußerungen und Taten kritisiert. Die ikonische Mantelszene aus dem ersten Teil wird bewusst als nicht mehr zeigbar benannt, und der Wandel zu Onlineseite und Social Media wird behandelt. Allerdings nur für ein paar wenige Minuten. Danach wird praktisch der gleiche Film nochmal gezeigt. Andy rennt verzweifelt hinter Miranda her und gibt ihr ganzes Leben auf, um von ihr angelächelt zu werden. Miranda darf immer noch sagen, was sie will, es wird aber halt mit einem „oh, das sagen wir nicht mehr“ ihrer Assistent kommentiert, woraufhin Miranda mit den Augen rollt und fortfährt. Keine Reflexion, keine Auseinandersetzung, nur ein stupides „Das dürfen wir sie unkommentiert nicht mehr sagen lassen“. Dann darf auch noch Emily Blunt wieder auftauchen und obwohl sie sich eine einzigartige Position erarbeitet hat, muss sie auch noch immer Miranda übertreffen und zeigen, dass sie ihr überlegen ist. Es ermüdet einfach nur. Und das obwohl alle drei Schauspielerinnen Meryl Streep, Emily Blunt und Anne Hathaway in ihrer Karriere gezeigt haben, was in ihnen steckt. Aber hier geben sie das absolute Minimum, auch wenn Sonnenschein Meryl Streep hier noch am ehesten zeigt, was Schauspiel ist. Schade, dass sie hierfür doch nachgegeben hat und nicht standhaft bei ihrer Absage zu einem Sequel blieb.
Das Fazit
Der Teufel trägt Prada 2 erzählt praktisch die gleiche Geschichte nochmal und lässt alle halbwegs guten Ansätze in den ersten Minuten schon hinter sich. Eine ermüdende Geschichte über Charaktere, die in zwanzig Jahren nicht dazu gelernt haben. Dafür gibt es 04 von 10 möglichen Punkten.
Der Teufel trägt Prada 2 läuft seit dem 30.04.2026 in den deutschen Kinos
Bereits Ende 1945 fand der erste der insgesamte zwölf Nürnberger Prozesse statt, in denen die Kriegsverbrechen des Naziregimes vor Gericht gestellt wurden. Ein Meilenstein in der Gerichtsgeschichte, aber bis heute auch umstritten. Dennoch war ich an der Verfilmung des Hauptprozesses durchaus interessiert. Warum der Film in seiner Gesamtheit echt gut ist, aber auch seine Schwierigkeiten hat, erfahrt ihr in meinem heutigen Beitrag.
Die Handlung
Der zweite Weltkrieg ist zu Ende und Herrmann Göhring wird festgenommen. In Nürnberg sollen er und weitere Führungsoffiziere angeklagt werden. Doch nicht nur die Rechtsprechung ist auf diesen Fall nicht vorbereitet, auch gilt es die Gefangenen bis zum Prozessende vom Suizid abzuhalten. Dafür wird Psychater Douglas Kelley engagiert, der sich fortan vornimmt gerade Göhring zu knacken.
Meine Meinung
In einer Welt, in der der Rechtsruck immer stärker wird, sind Filme über die Folgen eben dieses gar nicht genug zu betonen. Und das die Akteure des Nationalsozialismuses eben auch Menschen waren, die den Bau der Konzentrationslager angeordnet haben, nur weil sie sich über andere Menschen erhaben fühlten. Genau damit befasst sich Nürnberg. Beziehungsweise mit den titelgebenden Prozessen. Dabei wird eine interessante Perspektive gewählt, denn der Hauptteil des Films zeigt uns Rami Malek als Psychater Douglas Kelley, der versucht hinter die Fassade von Herrmann Göhring zu blicken. Dabei setzt er bewusst die Sprachbarriere ein oder geht über Göhrings Frau und versucht eine Bindung aufzubauen. Dabei zeig sich vor allem eins: Göhring bereut nichts, sondern versucht sich als den Unwissenden darzustellen. Das ist zwar durchaus spannend anzusehen und verrät sehr viel über das Gedankengut der Täter, aber dadurch geraten die Prozesse an sich ziemlich in den Hintergrund. Denn hierfür müssen erst einmal rechtliche Hürden überwunden werden, was ich persönlich durchaus spannender fand. Denn der Gedanke der Prozesse war eben die Täter nicht einfach hinzurichten, sondern ihnen einen fairen Prozess zu garantieren. Eben das, was sie unter ihrer Herrschaft nicht zugelassen haben. Um keine Märtyrer zuzulassen, sondern juristisch belegt, die Gräueltaten aufzuzeigen. So kommt es aber, dass der gerade einmal der erste Prozess überhaupt angesprochen wird, und auch hier, nur minimale Ausschnitte gezeigt werden. Mit einer Lauflänge von 148 Minuten ist der Film nicht gerade kurz und dennoch kratzt er gerade einmal an der Oberfläche der Thematik. Ich glaube kaum, dass ich das schreibe, aber vielleicht wäre hier eine Serie das bessere Format gewesen. Tschernobyl hat gezeigt, wie das dramaturgisch funktionieren kann und dann hätten alle Elemente ihre benötigte Zeit bekommen. Dennoch ist Nürnberg durchaus ein starker Film und das will ich ihm gar nicht absprechen. Er legt, gerade auch in einer der letzten Szenen, den Finger auf ein brankaktuelles Problem und zeigt, wie es in der Geschichte bereits einmal für unzählige Morde gesorgt hat. Und ich verstehe auch den Fokus den er hat, aber ich hätte mir dennoch eine leichte Verschiebung gewünscht. Auch schauspielerisch hat der Film einiges auf dem Kasten. Russel Crowe als Herrmann Göhring funktioniert, solange er kein überzeugendes Deutsch sprechen muss, sehr gut, er schafft es den Narzisten überzeugen zu verkörpern. Auch Rami Malek und Michael Shannon spielen ihre Rollen überzeugend, sowie der Nebencast rund um Richard E. Grant. Zu guter Letzt noch eine kleine Content Note: In Nürnberg werden Originalaufnahmen aus Konzentrationslagern, auch Endlagern, gezeigt. Dabei wird sowohl der Zustand der Überlebenden, als auch die Berge an Leichen und die Tötungseinrichtungen gezeigt. Bitte entscheidet selbst, ob ihr euch in der Verfassung dazu fühlt.
Das Fazit
Nürnberg legt den Finger auf ein brandaktuelles Thema und erzählt dabei rein historische Ereignisse. Der Schwerpunkt auf Göhring Psychiater zu legen, funktioniert grundsätzlich, dadurch kommen die namensgebenden Prozesse jedoch relativ kurz. Dennoch eine interessante Aufarbeitung in beklemmender Atmosphäre. Dafür gibt es 08 von 10 möglichen Punkten.
Nürnberg läuft seit dem 07.05.2026 in den deutschen Kinos
Nachdem die Musikerbiopics nach ihrer Hochphase zum Glück ein wenig nachgelassen haben, wurde es dennoch Zeit sich mit einem Namen zu befassen, der bisher fehlte. Michael Jackson. Ein Künstler, der neue Maßstäbe setzte, eine ganze Generation prägte und am Ende nur noch für seine negativen Schlagzeilen bekannt war. Wie sollte so ein Film funktionieren? Nun, genauso, wie dieser. Mehr dazu in meinem heutigen Beitrag.
Die Handlung
Mit gerade einmal acht Jahren steht der junge Michael Jackson zusammen mit seinen Brüdern als Jackson 5 auf der großen Bühne. Getrieben von seinem gewalttätigen und manipulierenden Vater muss er schon früh funktionieren und darf kein eigenes Leben, geschweige denn Freundschaften haben. Der Erfolg kommt und schnürt ihn immer weiter ein, doch er versucht sich zu lösen und seinen eigenen weg zu finden.
Meine Meinung
Ob man nun mit der Musik von Michael Jackson etwas anfangen kann oder nicht, Fakt ist, dass viele seiner Hits weltbekannt sind und einen so eigenen Stil aufweisen, dass sie direkt erkennbar sind. Doch mir war zum Beispiel nicht bekannt, welche bedeutenden Schritte hinter diesen Hits standen für einen BPoC Künstler. So war ich gespannt auf den Film, hatte aber auch meine Zweifel. Wie würde mit den noch immer im Raum stehenden Vorwürfen umgegangen werden, die nie bewiesen, aber auch nie widerlegt werden konnten, was bei der Thematik aber auch generell schwierig ist. Nun, so weit geht der Film aber gar nicht, sondern behandelt die Jahre 1966 bis 1988, also die Zeit, wo die Jackson 5 das erste Mal auftreten bis Michael final ankündigt, keine Konzerte mehr mit seinen Brüdern zu geben. Dies war allerdings nicht die Anfangsversion, jedoch hatte der Film bereits im Vorfeld mit einigen Klagen zu kämpfen. So wurden alle Szenen rund um Diana Ross gestrichen und erste Darstellungen rund um die Missbrauchsvorwürfe. Gleichzeitig sollen sich andere Mitstreiter reingeklagt haben und generell hatte die Familie Jackson wohl einen großen Einfluss auf das Drehbuch. Herausgekommen ist ein Film, der die schwierigsten Themen umschifft, und sich allein um die Geschichte der toxischen Familienverhältnisse durch den gewalttätigen Vater, der die Kinder isolierte und zu Höchstleistungen zwang, um die erfolgreiche Gruppe der Jackson 5 herauszubringen, über Michaels eigene Solokarriere und die finale Entsagung von seinem Vater und dessen erneuten Tourplänen. Dadurch ist es immer noch kein Feel Good Film, sondern ein knallhartes Drama, und es kann zu Recht Kritik an einigen Darstellungen geben. An sich ergibt sich aber eine runde Geschichte, die wichtige Aspekte aus der Karriere in den genanntene Jahren aufgreift und viele Charakterzüge einbaut. Gleich am Anfang wurde es für mich jedoch schon schwierig, denn es gibt für Filme einfach keine Triggerwarnungen, und genau die hätte ich gebraucht, da hier detailliert gezeigt wird, wie Josef Jackson seine Söhne nicht nur psychisch unter Druck setzt und regelrecht drangsaliert in seinen Bestrebungen sie erfolgreich zu machen, um seinem eigenen Leben in ärmlichen Verhältnissen zu entkommen, sondern eben auch physisch misshandelt – sprich ihn verprügelt. Auch im weiteren Verlauf wird es nur bedingt besser, also wenn ein toxisches/gewalttätiges Elternhaus für euch Trigger enthalten kann, dann ist dieser Film für euch mit Vorsicht zu genießen. Passt auf euch auf! Es wird glaubhaft dargestellt, wie Michael aufwuchs und immer erfolgreicher wurde, später auch als Solokünstler und wie eingeschränkt er doch in seinen Möglichkeiten war. Wie sehr er darauf bedacht war, sich und seinen Stil zu zeigen und doch gleichzeitig absolut unsicher wegen sich und seiner Erscheinung. Dies mag für Fans alles sehr oberflächlich wirken, da sie noch viel mehr dazu wissen, aber für mich als durchschnittliche Kinobesucherin, waren es genug Infos, um die Person Michael Jackson besser zu verstehen. Auch wichtige Ereignisse, wie der gesamte Pepsivorfall, waren Geschehnisse, die an mir komplett vorüber gingen. Diese aufgearbeitet eingearbeitet zu sehen, hat mir nochmal einiges vermittelt, was mir zuvor einfach nicht bewusst war. Hervorzuheben sind hier auch die schauspielerischen Leistungen, vor allem von Jaafar Jackson, der seinem Onkel wie aus dem Gesicht geschnitten ist, und seine ikonischen Tanzbewegungen wunderbar erneut zum Leben erwecken konnte. So blieb bei mir kein Auge trocken während des Films. Ich litt mit dem kleinen Jungen und dem heranwachsendem Mann, lernte und verstand mehr. Und gönnte ihm seinen Triumpf in der letzten Szene, in der er sich von seinem Vater lossagte. Nur, um die Einblendung „Seine Geschichte geht weiter“ zu lesen, die möglicherweise auf einen zweiten Teil hindeuten könnte. Und ich kann nur sagen: Bitte nicht. Es war ein runder Film, ein runder Abschluss der Thematik. Alles weitere kann nur schief gehen und die bisherige Produktionsgeschichte zeigt bereits, dass hier viel mit Klagen zu rechnen ist und so viele Vorwürfe sind bis heute unaufgearbeitet, dass sich nicht gerade Hollywood daran setzen sollte. Schon gar nicht, wenn nur die Familie einer Seite der Klagen an der Produktion beteiligt ist.
Das Fazit
Michael schafft es den beschriebenen Zeitraum aus meiner Laiensicht filmisch gut rüberzubringen und schafft dabei große Emotionen, mitreissende Momente und zeigt den Charakter hinter der Legende. Dafür gibt es 08 von 10 möglichen Punkten.
Michael läuft seit dem 23.04.2026 in den deutschen Kinos
2005 kletterte der Debütroman der deutschen Autorin Leonie Swann in Windeseile auf die Spiegel Bestseller Liste und löste einen großen Hype aus. Ein Krimi aus der Sicht von Schafen klang so neuartig, dass ich das Buch ewig in den Buchhandlungen gesehen, aber nie zugegriffen habe. Zwar habe ich damals schon viel gelesen, aber Krimis waren zu der Zeit nicht mein Genre. Und jetzt 21 Jahre später, wäre so ein cosy Crime genau meins gewesen. Und da kam Working Title Film – eine britische Produktionsfirma – mit der Realverfilmung um die Ecke. Warum ich den Film sehr weiterempfehlen kann, erfahrt ihr in meinem heutigen Beitrag.
Die Handlung
George Hardy ist Schäfer und lebt sehr zurückgezogen mit seiner Schafsherde, der er jeden Abend aus einem Krimi vorliest. Bis er eines Nachts ermordet wird. Zumindest ist das seiner Herde, allen voran Schäfin Lily, direkt klar, während der ortsansässige Polizist überfordert ist und daher Herzinfarkt eintragen lässt. Doch Lily, zusammen mit dem Widder Moppel und dem Einzelgänger Sebastian, versucht Hinweise zu finden und dem Polizisten zuzuspielen, so dass dieser doch mit den Ermittlungen beginnt.
Meine Meinung
Schafe als Protagonisten? Da war ich auf jeden Fall dabei. Doch als Ermittler in einem Kriminalfall? Wie sollte das funktionieren? Doch der Trailer sprach mich direkt an und ich erinnerte mich grob, dass Buch vor vielen Jahren schon mehrfach in Buchhandlungen gesehen zu haben. Schön ist zunächst, dass die Schafe untereinander für uns zu verstehen sind, aber die Menschen im Film nicht mit ihnen reden können. Dadurch ist keine direkte Fantasyebene drin und sorgt für eine Menge Missverständnisse, die zur guten Stimmung beitragen. Aber fangen wir am Anfang an. Zunächst lernen wir George und seine Schafe kennen, ihre wichtigsten Eigenschaften, die so liebevoll erzählt werden, dass sie auch in Erinnerungen bleiben, da sie später noch wichtig werden. Dann schwenken wir ins Dorf und lernen dort die wichtigsten Bewohnenden kennen. Dabei sind einfach alle absolut überzeichnet, aber dabei zeitgleich so liebevoll charakterisiert, dass es direkt wieder funktioniert. Nehmen wir allein den Polizisten Tim Derry, der in seiner Karriere noch nie mit einem Mordfall zu tun hatte. Er ist völlig überfordert und hat überhaupt keine Routine, wie er vorgehen muss. Daher lässt er sich von den Leuten in seiner Umgebung leiten und beeinflussen, bis die Schafe ihm einen Krimi zukommen lassen, der ihm das wichtigste Grundwissen vermittelt. An diesem hangelt er sich dann auch lang und schafft es eigene Impulse zu setzen und über sich hinauszuwachsen. Dennoch ist er immer wieder darauf angewiesen, dass die Schafe ihn in die richtige Richtung stupsen, auch wenn diese ab einem gewissen Punkt auch überfragt sind. Darüber hinaus lernen die schafe aber auch einiges über die Welt außerhalb ihrer Wiese, müssen über ihre Grenzen hinaus gehen und über sich selbst hinauswachsen. Das Ganze wird mit so viel Liebe dargestellt, voller Witz, kleiner Details und trotz teilweise schwierigerer Themen, bleibt es cosy und ist einfach ein Feel-Good-Film. Die überzeichneten Charaktere werden mit der Zeit vielschichtiger und mehr als sie zunächst zu sein schienen. Da bekomme ich fast Lust, auf mehr Geschichten aus Denbrook. Im Endeffekt ist es ein whodunnit für Einsteiger. Viele Hinweise tauchen zwischendrin bereits auf, dennoch konnte ich nicht sagen, wer es war, bis zur Auflösung. Einige Sachen wurden wohl auch für den Plot ein wenig verdreht, damit es zur Auflösung und zur Botschaft des Films passt, wie mir meine Landwirtschaftsinteressierte und Pflanzenexpertin – aka meine Kinobegleitung – nicht müde wurde, zu erzählen. Aber das konnte dem Film irgendwo verziehen werden, weil es hier gar nicht so sehr um die Logik hinter des Wies ging, sondern vielmehr um die Auflösung und die Hilfe der Schafe. Und Lily und Moppel von Anke Engelke und Bastian Pastewka synchronisieren zu lassen, spricht übrigens auch sehr dafür ihn in deutscher Synchro zu schauen, die geben dem Ganzen noch einmal eine schöne Dynamik. Auch darüber hinaus wurde auf Darstellenden- und Synchronsprechendenseite keine Mühen und Kosten gescheut und ein tolles Ensemble zusammengestellt, die den Film gut zu tragen wissen.
Das Fazit
Glennkill: Ein Schafskrimi schafft es Klischees so aufzuarbeiten, das sie überwunden werden können, spielt mit den klassischen Whodunnit Elementen und überzeugt durch die liebevollen Charaktere und eben durch die Schafe. Dafür gibt es 09 von 10 möglichen Punkten.
Glennkill läuft seit dem 14.05.2026 in den deutschen Kinos
Anfang Dezember habe ich euch die ersten Bände aus der EdenS6 Reihe vorgestellt. Eine Reihe rund um eine fiktive K-Pop Band, die ich seit dem ersten Band absolut stanne und mich immer wieder auf die neuen Bände freue. Diesmal durften gleich zwei Mitglieder die Protagonisten werden, denn Autorin Ari N. Kang wagt sich an eine queere Story und das, wo Korea (leider) noch sehr hinterherhängt, was die Akzeptanz dieser angeht. Ich war also gerne wieder Leserin der ersten Stunde und freue mich euch den dritten Band der Reihe vorstellen zu dürfen. Das E-Book wurde mir von der Autorin als Rezensionsexemplar zur Verfügung gestellt. Ich bedanke mich dafür und kennzeichne diesen Beitrag als Werbung.
Die Handlung
Haru ist aus dem Hiatus zurück, doch noch immer kann er nicht über den Grund seiner Abwesenheit reden. Denn seit dem Liebesgeständnis seines Bandkollegen Honey, hinterfragt er seine Sexualität. Honey ahnt jedoch nicht, dass er im Halbschlaf seine wahren Gefühle ausgeplaudert hat und versteht nicht, wieso Haru ihn immer weiter von sich stößt. Bis eine Dancekompetition ansteht und Haru mit seiner früheren Partnerin und seinem größten Feind zusammenarbeiten muss. Können sie die Vorurteile einer gleich-geschlechtlichen Beziehung in Korea überwinden und zusammenfinden?
Meine Meinung
Kurz vorm Pride Month wird das Thema queere Geschichten im K-Pop leider wieder brandaktuell. Denn Korea selbst ist, was die Akzeptanz angeht, leider auch noch ziemlich rückständig. Besorgniserregend und traurig wird es aber leider, da frisch die Nachricht aus Russland kam, dass eine junge Frau ins Gefängnis muss. Ihr Verbrechen: Sie hat auf einer Fanfictionseite eine Geschichte über zwei Stray Kids Member geschrieben und damit eine schwule Liebesgeschichte. Mit der Frage, wie schwer es für Idols grundsätzlich mit dem Dating ist, hat Autorin Ari N. Kang bereits in zwei Bänden der EdenS Reihe behandelt. Doch diesmal ist sie noch einen Schritt weitergegangen und hat sich damit befasst, was wäre, wenn zwei Member der gleichen Gruppe sich ineinander verlieben. Oder sich nur einer von beiden verliebt und dies in einem unbedachten Moment unbewusst preisgibt. So ist die Ausgangsituation in EdenS Secret. Haru wusste sich nicht zu helfen und ist mit dieser Information erst einmal in Hiatus (eine Auszeit von allen Aktivitäten im K-Pop). Doch Honey und sein Geständnis geht ihm nicht aus dem Kopf. Es folgt eine Reise, in der er sich mit seiner Sexualität auseinander setzen muss. Auf der anderen Seite haben wir Honey, der nicht weiß, was er da preisgegeben hat und der in der Vergangenheit bei einem unfreiwilligem Outing auch bereits sehr schlechte Erfahrungen gemacht. Für ihn ist vom einen auf den anderen Tag ein guter Freund einfach verschwunden, der ihn fortan meidet. Er kämpft mit sich und seinen Gefühlen und will doch nur wieder den Ausgangspunkt zurück. Denn das Idol-Dasein hat so schon genügend Stolpersteine, die hier mit dem Auftauchen von neuen Charakteren aus anderen Gruppen gezeigt werden. Denn mit Bone taucht Harus größter Konkurrent und erklärter Erzfeind auf. Mit seiner unfreundlichen Art bringt er den sonst eher ruhigen Member ziemlich auf die Palme. Doch dahinter steckt ein ziemliches Problem mit geplatzten Träumen, strengem Management und wenn das Konzept einer Band nicht aufgeht. Ich möchte hier nicht zu viel vorweg nehmen, aber die Autorin macht hier einige Ebenen auf, die sie aber auch gut umsetzt, ohne, dass das Hauptthema zu kurz kommt – und vielleicht wurden weitere Geschichten angeteasert, vielleicht interpretiere ich auch nur zu viel hinein. Ich werde auf jeden Fall berichten, sobald ein neues Abenteuer der Band EdenS6 in meinen Händen landet.
Das Fazit
Edens Secret nimmt sich einer gleichgeschlechtlichen Liebe an und kann die Thematik respektvoll und doch nah genug an einer möglichen Wirklichkeit im K-Pop behandeln. Mit vielen Insides aus dem Business schafft Autorin Ari N. Kang erneut eine mitreißende Geschichte rund um ihre Band EdenS6.
Ava Reed gehört auch zu den Autorinnen, die ich inzwischen blind kaufe. Obwohl mich der Vergleich ihrer Reihe mit Greys Anatomie eher abgeschreckt hat, da ich der Serie wenig abgewinnen kann, so haben mich ihre Posts zu ihrer Recherchearbeit und der bewusst realistischen Darstellung des Krankenhaus-Alltags doch komplett überzeugt, die Serie definitiv zu lesen. Warum das eine sehr gute Entscheidung war, erfahrt ihr in meinem heutigen Beitrag.
High Hopes
Die Handlung: Laura ergattert ihren Traumjob. Eine Assistenzärztinstelle in Phoenix. Dort findet sie sich nicht nur schnell ins Team ein, sondern ist auch angetan von Nash Brooks. Leider ist dieser ihr direkter Vorgesetzter und hat strenge Prinzipien, was Beziehungen angeht. Zwischen Visiten, Rettungseinsätzen und Operationen, knistert es dennoch.
Meine Meinung: Willkommen im Whitestone Hospital. Mit Laura und Nash haben wir die erste Geschichte der Reihe und lernen auch erst einmal das Team kennen. Dabei merkt man schnell, dass Autorin Ava Reed sehr ausführlich recherchiert hat und sich immer wieder bei medizinischem Fachpersonal rückversichert hat, um ihr Krankenhaus möglichst authentisch darzustellen. Laura eignet sich für den Auftakt auch perfekt als Protagonistin, da wir ihre Probleme gut mitverfolgen können, ohne hierdrin schon das größte Drama zu haben – was keineswegs heißt, dass die anderen Protagonist*innen nicht gute Geschichten bieten, aber so kommen wir gut in die Geschichte rein und erfahren eben auch schon mehr über die anderen Charaktere. Auch mit Nash haben wir einen guten ersten Love interest. Hier haben wir verbotene Liebe durch das Machtgefälle, womit aber umsichtig umgegangen wird und an keiner Stelle wird Laura irgendwie kleingeredet oder nicht ernst genommen. Feingefühl bei der Themenwahl beweist die Autorin auch hier, wenn es darum geht Einzelfälle zu beschreiben. Sei es in der Notaufnahme oder bei Einsätzen außerhalb. Einziges Manko ist der wirklich fiese Cliffhanger am Ende des Buches, denn ich musste für die Auflösung tatsächlich auf Band 2 warten.
Drowning Souls
Die Handlung: Sierra ist nach dem Unglück im Krankenhaus mit die erste am Unfallort. Dabei muss sie auch Mitch bergen, der voller Brandwunden ist. Zusammen versuchen sie die Geschehnisse zu verarbeiten und kommen sich dabei immer näher. Dabei versucht gerade Sierra ihr Privatleben zu verbergen.
Meine Meinung: Rückblende Cliffhanger Band Eins. Jeder, der den ersten Band gelesen hat und danach ewig gefiebert hat, wie es wohl ausgehen wird, konnte es nun endlich lesen. Und es war heftig. Aber damit gab es zumindest keine lange Einleitung oder einen langsamen Auftakt. Wir waren sofort wieder mittendrin im Geschehen und auch wieder mittendrin bei den Charakteren. Hier hatte ich am Anfang zwar ein paar Probleme mit dem Wechsel zu neuen Protagonist*innen, gerade bei Sierra war ich oft in Gedanken noch bei Laura, aber das war vermutlich nur mein Problem, denn charakterlich und gedanklich sind die beiden Protagonistinnen schon sehr unterschiedlich. Denn Sierra ist vom Charakter her nicht ganz einfach, was durchaus seine Gründe hat und wir im Laufe des Buches auch erkunden, aber im ersten Band hätte sie nicht funktioniert. Dafür ist ihre Geschichte mit Mitch bereits gut angeteasert worden und doch blieb es durchaus spannend, wie es mit den beiden weitergehen wird. Und kaum ist man wieder vollends in der Geschichte versunken, kommt das nächste Unglück. Im Buch in Form eines Sandsturm. Im realen Leben durch einen weiteren äußerst fiesen Cliffhanger – wobei ich diesen tatsächlich besser verdaut habe als den ersten.
Tough Choices
Die Handlung: Nach dem Sandsturm ist allerlei los im Whitestone Hospital. Der Pfleger Grant ist einfach nur froh, dass es der Assistenzärztin Masie vergleichsweise gut geht. Als sich die beiden näher kommen, steht jedoch nicht nur Masies Unsicherheit im Raum. Auch Grant hat ein Geheimnis, das er zeitnah lüften sollte, wenn er sie nicht verlieren will.
Meine Meinung: Willkommen zurück zur dritten Runde im Whitestone Hospital. Und ich sage es gleich vorweg: Es ist mein Lieblingsband. Das war aber auch gar nicht schwer, denn ich mochte Maisie schon vorher unheimlich gern und habe nur auf ihre Geschichte gewartet. Und Grant ist einfach einer meiner liebsten book boyfriends. Ihre Geschichte ist so wholesome und cozy, wie eine Krankenhausgeschichte nur sein kann. Die beiden sind unfassbar süß und gerade dieses entschleunigte passte so gut zu allem. Damit haben wir trotz der gleichen Reihe und bekannter Figuren noch einmal eine ziemliche Wendung in der Erzählweise und gleichzeitig fügt sie sich nahtlos in die Reihe ein. Natürlich haben wir auch hier einen spannenden Auftakt, immerhin wurde der nächste Cliffhanger gelöst. Aber danach entschleunigt das Buch regelrecht und holt einem aus einem stressigen Alltag ab und lässt einen durchatmen. Es zählt nicht nur in der Reihe, sondern auch allgemein zu meinen liebsten Büchern. Das einzige Manko – ihr werdet es bereits erahnen – ist der nächste gemeine Cliffhanger am Ende des Buches. Vielleicht hätte ich draus lernen sollen und das letzte Kapitel einfach nicht lesen sollen. Aber nun heißt es wieder warten auf Band 4.
Saved Dreams
Die Handlung: Auch wenn Assistenzärztin Jane alles versucht hat, sie kommt um die Gynäkologie nicht herum. Und auch, wenn Oberärztin Abby ihr Herz zum schnellerschlagen bringt, so muss sie sich doch einem Trauma stellen, das sie trotz Therapie nie überwunden hat.
Meine Meinung: Wir sind zurück am Whitestone Hospital. Und nachdem in Band 3 schon sehr deutlich wurde, dass es diesmal um Jane gehen wird, die zuvor schon immer versucht hat, nicht in die Gynäkologie zu müssen, haben wir nun auch ihre Geschichte. Am Anfang wird wieder der Cliffhanger aus dem vorherigen Band aufgelöst und damit sind wir dann auch schon direkt bei Jane und Abby. Und damit haben wir auch ein queeres Pärchen im Vordergrund! Und das Setting in der Gynäkologie wird auch gleich genutzt, um einige Themen anzusprechen, die für Frauen* noch immer ein Tabuthema sind bzw. einfach viel zu wenig drüber gesprochen wird. Das Setting im Krankenhaus bringt auch weiterhin Schicksale zum Vorschein. Vordergründig geht es aber um Jane, die in der Vergangenheit etwas erlebt hat, was sie bis heute bricht. Ihr Weg, um damit umzugehen, und die gleichzeitige Annäherung zu Abby, ist zeitgleich sehr süß und auch sehr tragisch. Hier beweist Autorin Ava Reed wieder ihr einzigartiges Fingerspitzengefühl, um beide Themen gekonnt zu verbinden. Und so ist die Geschichte von Jane und Abby für mich der zweitbeste Roman der Reihe – an Masie und Grant sind sie einfach nicht rangekommen.
Colliding Hearts
Die Handlung: Ian gilt als der ewige Junggeselle am Whitestone Hospital. Doch Jess hat ihn soweit, dass er sich auf etwas Festes einlassen würde. Doch dafür muss sie ihm noch eine Chance geben, denn die Erste hat er verkackt. Neben dem Stalkerproblem ihrer Schwester und einer heftigen Diagnose, kommen sich beide näher, doch reicht es für ein für immer?
Meine Meinung: Seit Band 1 liebe ich Ian. Ich gehörte zu den Menschen, die die Autorin immer wieder gefragt haben, ob es nicht noch einen Band mit ihm geben würde. Und schließlich kam die Erlösung. Die Autorin hatte die Freigabe vom Verlag noch einen ungeplanten fünften Band zu schreiben und Ian wurde der Love Interest. Seine Geschichte mit Jess hatte sich in den vorherigen Bänden immer wieder angedeutet, weswegen das Paaring auch keine Überraschung war. Und dann verschob sich der Termin immer wieder – aus absolut nachvollziehbaren Gründen der Autorin, was ich ihr auf keinen Fall zum Vorwurf machen werde! Aber dadurch wurde die Vorfreude immer größer und als ich das Buch schließlich in den Händen hielt, konnte es mich eigentlich nur noch enttäuschen. Deswegen habe ich bewusst etwas Zeit verstreichen lassen, ehe ich mich der Geschichte widmete. Und am Anfang war ich voll drin. Wir bekommen die Geschichte der Zwei, die aber einfach vorher schon viel Zeit hatte, weswegen wir sie an einem Punkt treffen, wo die Beziehung absehbar wurde. Und versteht mich nicht falsch, das ist alles wirklich toll und ich habe es sehr geliebt, die Geschichte endlich zu lesen. Aber es hat sich auch irgendwie angefühlt, als würde ich im letzten Drittel der Geschichte ansetzen, anstatt von vorne. Und so ist das Buch nach dem ersten Drittel auch irgendwie erzählt. Selbst die Geschichte rund um das Stalkerthema wird irgendwie sehr undramatisch abgehakt und dann bekommen wir noch ein sehr großes Thema, was aber allein Jess betrifft und kaum die Beziehung der beiden betrifft. Auch hier, ich finde die Thematik wahnsinnig wichtig und Ava Reed setzt sie auch sehr empathisch um. Aber es fühlte sich mehr wie ein spin-off an als wirklich ein Teil der Reihe. Als ob wir doch alles mit Band Vier beendet haben und das hier unser Bonus ist. Und ich sag es wie es ist: Ich liebe es, dass wir diesen Bonus bekommen habe. Aber bin halt doch enttäuscht, dass der Bonus mit meinem Lieblingscharakter ist und er dadurch vergleichweise wenig „Screentime“ bzw. Entwicklungszeit hat.
Das Fazit
Die Whitestone Hospital Reihe ist einfach pure Liebe. Zwar war es gerade mit den Cliffhangern immer wieder ein Auf und Ab der Gefühle, aber die starke Recherche und die oftmals auch sehr schwierigen Themen harmonieren wunderbar mit der gesamten Clique, die wir hier über fünf Bände ins Herz schließen konnten. Ich freue mich schon auf Ava Reeds nächste Reihe.
Habt ihr die Reihe gelesen? Was war euer Lieblingsband?
1818 erschien Mary Shelleys berühmtester Roman, der aus gutem Grund als Klassiker der Schauerliteratur zählt und unzählige Male adaptiert wurde. Nur vier Jahre nach der wohl bekanntesten Verfilmung gab Universal in seiner Monster Reihe dem nach seinem Schöpfer benannten Monster eine Braut. Nun wagte sich Maggie Gyllenhaal mit ihrer zweiten Regiearbeit erneut an diesen Stoff. Warum es eine Ausgeburt der Kunstkritisierenden ist, erfahrt ihr in meinem heutigen Beitrag.
Die Handlung
Nach Jahren des Umherwanderns sucht Frank aka Frankensteins Monster Dr. Euphronious auf, deren Buch über Wiedergeburt ihm Hoffnung auf eine Gefährtin machten. Die passende Leiche ist in Form der jungen Frau Ida, die kürzlich einem Mafiaboss zum Opfer fiel und von der Autorin Mary Shelley besessen ist, schnell gefunden. Da diese durch die Wiederbelebung das Gedächtnis verlor, ist es für Frank einfach, ihr eine Verlobung vorzutäuschen. Doch die beiden machen schnell die Polizei auf sich aufmerksam, die sie fortan durch das ganze Land verfolgt.
Meine Meinung
In den letzten Jahren schrieb ich immer wieder über die Innovationsfaulheit in Hollywood. Die immer gleichen Franchisen dominierten die Landschaft, unterbrochen von Sequels, Prequels und Remakes. Da waren Literaturverfilmungen wie Dune oder Wicked eben aus gutem Grund sehr beliebt, auch wenn es sich streng genommen bei beiden auch um Remakes handelt, bzw. Wicked das Bühnenmusical adaptierte. Nun dachte sich Maggie Gyllenhaal wohl, dass sie mit einer Neuinterpretation von Frankensteins Braut vielleicht genug in die Kerbe schlug, um die Aufmerksamkeit des Durchschnitsspublikums schlug, aber zeitgleich eine so hochgradig künstlerisch angehauchte Variante produzieren wollte, dass es dem Wunsch nach mehr Innovation und Ideenreichtum ebenso entsprach. Herauskam … nun, hier scheiden sich vermutlich die Geister. Nehmen wir dafür direkt den Anfang. Wir bekommen direkt eine zweite erzählerische Ebene, denn Mary Shelley höchst selbst spricht aus dem Jenseits zu uns und siniert in einem dem Wahnsinn verfallenen Monolog über ihr Leben und ihre berühmte Figur Victor Frankenstein. Über den Kampf im ewigen Eis, der auf das Ende des Buches hinweist und letztlich, dass es doch auch eine weibliche Stimme bräuchte, sie nur die Chance dazu nicht hatte. Aber Vorhang auf für die Braut. Jesse Buckley, die auch die Rolle der Mary Shelley übernahm, spielt sich bereits in ihrer ersten Szene die Seele aus dem Leib und erzeugt dabei eine Exposition der Männerwelt, die leider so grotesk verkommt, dass sie eher unangenehm wirkt als wirklich eine Aussage zu haben. Dies ist dann auch zielgebend für den restlichen Film, der lieber in ausufernden Szenen den Wahnsinn der Geschichte zeigt, als wirklich etwas auszusagen. Und das, obwohl wir hier eine Mafiakomponente drin haben, Korruption bei der Polizei und immer wieder versucht wurde eine weibliche Stimme zu finden. Sei es Penelope Cruz, die als Polizistin versucht in einer Männerdomäne ernst genommen zu werden, obwohl sie sehr offensichtlich die bessere Ermittlerin ist. Aber natürlich wird auch das nicht auserzählt, sondern wir bekommen am Ende nur die Geschichte und Motive ihres Kollegen, der in eine reumütigen Schuldszene versucht Vergebung zu erlangen. Oder nehmen wir Frank, wie hier das Monster genannt wurde, der so dringend nicht mehr einsam sein will, dass er sich eine Frau erschaffen lässt. Das diese dann mit Gedächtnisverlust kämpft und er sie komplett Gaslighted, dass sie verlobt seien und die große Liebe vorspielt. Die aber auch an keiner Stelle spürbar ist, sehen wir mal von den bewundernden Blicken Franks ab. Den Film rettet eigentlich nur, dass alle Darstellenden absolut großartig in ihren Rollen sind. Denn jede noch so groteske Szene, jede noch so übertriebene Darstellung, alles hätte noch so viel schlimmer sein können, wenn wir nicht neben den bereits genannten noch einen Christian Bale, einen Jake Gyllenhaal oder eine Annette Benning gehabt hätten. Wir haben auch durchaus gute Motive drin. Die Voreingenommenheit gegenüber Franks Aussehen, seine Besessenheit von der schillernden Welt des Kinos, seine greifbare Einsamkeit, die gerade spürbare Verzweiflung, wenn es nicht so läuft, wie er es sich ausgemalt hatte. Auch die Inszenierung von seiner Wunschwelt im Kino, die als regelmäßiges Motiv eingebaut wurde, ist genau das, was ich so lange auf der großen Leinwand vermisst habe. Aber diese für sich stehenden guten Szenen werden ständig von einer Überinszenierung und dem ausufernden Wahnsinn der Charaktere überschattet und driftet damit zu sehr in eine Kunstfraktion ab, die in jeder Einstellung und Mimik absolutes Interpretationsmaterial sieht. Aber dafür weicht jeglicher Unterhaltungswert.
Das Fazit
The Bride! ist so künstlerisch überinszeniert, dass die eigentlichen Themen gar nicht durchkommen, sondern wir immer nur wieder und wieder eingetrichtert bekommen, dass alle Männer schlecht sind. Durchaus guter Versuch aus dem Alltagssumpf Hollywoods herauszukommen, aber in der Umsetzung doch zu überambitioniert. Dafür gibt es 04 von 10 möglichen Punkten.
The Bride läuft seit dem 05.03.2026 in den deutschen Kinos
Während Pixar Anfang der 2000er durchaus ein Konkurrent für Disney war, wurde der Konzern kurzerhand aufgekauft und bietet seitdem eher die Filme, die weniger Erfolgsaussichten haben als die des Mutterkonzerns. So sammeln sich zwischen einzelnen echt guten Filmen leider eher die Enttäuschungen. Nun kam mit Hoppers ein Film ins Kino, der sich wieder an einem etwas anderen Thema versuchte und damit durchaus Erfolg hätte haben können. Warum das leider nicht der Fall ist, erfahrt ihr in meinem heutigen Beitrag.
Die Handlung
Mabel Tanaka hat in der Natur ihren Ausgleich zu den Ungerechtigkeiten, die Menschen Natur und Tiere antun, gefunden. Doch ihr Safe Space soll nun einer Autobahn weichen, da laut Bürgermeister dort keine Tiere mehr wohnen. Durch Zufall findet Mabel heraus, dass ihre Professorin an der Uni ein Verfahren entwickelt hat, mit dem sie sich in den nachgebildeten Körper eines Biebers transferieren kann. Sie flieht in diesem, um herauszufinden, wohin die Tiere verschwunden sind.
Meine Meinung
Auch, wenn ich in letzter Zeit immer wieder von Pixarfilmen enttäuscht wurde, so machte mich der Trailer zu Hoppers neugierig genug, um ihm doch noch eine Chance zu geben. Sprechende Tiere und die Gesetze der Natur aus einer anderen Perspektive? Da war ich dabei. Und er hatte auch gerade am Anfang gute Tendenzen, die sich leider schnell aufgelöst haben. Aber fangen wir am Anfang an. Zunächst lernen wir Mabel in jungen Jahren kennen, die mit der schlechten Behandlung von Tieren in den Schulen Probleme hat, aber hier die falschen Methoden wählt. Die überforderte Mutter schiebt sie kurzerhand zur Oma ab, die ihr den Ruheort im Wald zeigt. Die Jahre ziehen ins Land und Mabel ist noch immer eine Ökoaktivistin, die sich gern mit dem Bürgermeister anlegt. Während dieser zunächst wie der typische Politiker daherkommt, könnte man aufgrund der nächsten Situationen meinen, dass er genau dies nicht ist. Und diesen Ansatz fand ich erfrischend und neu, aber wir merken schnell: Doch, er erfüllt alle Klischees. Aber nun, wir brauchen halt ein Feindbild und können das Thema nicht mit Argumenten füllen, schon gar nicht in einem Kinderfilm. Bei der Recherche zu den Umständen nervt Mabel immer wieder ihre Professorin, die hier ein wenig den Mutterersatz wohl mimt, denn egal, wie wenig sich die Student an Regeln hält oder diese bewusst bricht, es wird immer noch teilweise mit Verständnis reagiert, von Konsequenzen keine Spur. So kommen wir auch in das geheime Labor eben jener Professorin. Während wir hier mit ihrer Kollegin wenigstens eine erwachsene Person haben, die mal nicht mit Verständnis, sondern mit der angemessenen Verärgerung reagiert, kann Mabel natürlich sofort ihren Willen durchsetzen und transferiert sich in einen Bieber, mit dem sie andere in ihre Ruheoase locken will, damit der Autobahnbau gestoppt werden kann. Ab hier könnte der Film also endlich spannend werden, denn wir haben es endlich in den Bieberkörper geschafft und sind damit unter den Tieren, die wir damit auch verstehen können. Aber so witzig, wie im Trailer angedeutet, ist der Teil leider nicht. Die witzigste Szene, die mich im Trailer jedes Mal abholen konnte, wirkt hier überhaupt nicht genutzt, und das zieht sich leider immer weiter durch. Denn statt sich wirklich mit dem Thema Naturschutz und was die Lebensräume der Tiere angeht bzw. den Vorteil der Tiere für die Menschen, zu beschäftigen, wird lieber auf den nächsten platten Gag gesetzt, der überhaupt nicht zündet. Denn war der Bieberanführer mit Hang zu Zumba noch eine gute Idee, so sind die Obersten der Reptilien, Vögel, Fische und Insekten nur noch eine Karikatur ihrer Spezies und repräsentieren machtgeile, aber handlungsscheue Politiker*innen. Hier fehlt jegliche Aussage oder Zusammenhang zur eigentlichen Thematik des Films. Spätestens ab dem Punkt, wo die „bösen“ Nicht-Säugetiere das Labor überfallen und den Insektenkönig in eine Variante des Bürgermeisters stecken, hat der Film jegliches Niveau und Anspruch verloren. Kinder, die den Film sehen, lernen nur, dass Taten keine Konsequenzen haben, weil egal, wie viel schlimmer du alles für die Umwelt machst, wenn du bereust, ist doch am Ende alles okay. Und du kannst deine Freund*innen stark verletzen, sie werden trotzdem zu dir halten. Warum auch immer. Ich wollte Hoppers wirklich mögen, aber leider zeigt sich hier wieder einmal, dass die Drehbuchschreibenden in Hollywood ihre Ideen nicht mehr durchdenken, sondern lieber irgendetwas produzieren, als drauf zu achten, dass irgendwie Ideenvielfalt und Lebensweisheit aufeinander trifft. Eben jenen Teil, den wir in einem Alles steht Kopf noch zu feiern wussten, und selbst ein Findet Nemo schon besser machen konnte.
Das Fazit
Hoppers mag irgendwo eine gute Grundprämisse haben, setzt aber lieber auf platte und unlustige Action, statt die wenigen guten Ansätze zum Thema konsequent zu nutzen und reiht sich daher in die Pixarenttäuschungen der letzten Jahre ein. Dafür gibt es 04 von 10 möglichen Punkten.
Hoppers läuft seit dem 05.03.2026 in den deutschen Kinos
