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Valerian – Stadt der tausend Planeten

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Am 20.07.2017 erschien eine Comicverfilmung von Regisseur Luc Besson in den deutschen Kinos.

Die Agenten Valerian und Laureline erhalten den Auftrag das letzte Exemplar einer ansonsten ausgestorbenen Spezies zu retten und nach Alpha – eine ehemalige Mondbasis, die inzwischen von Spezies aus allen Ecken des Universums bevölkert wird. Dort angekommen scheint etwas nicht zu stimmen. Die Agenten untersuchen diese Sache.

Luc Besson dürfte als Regisseur für Freunde von Filmen, wie Nikita und das fünfte Element durchaus ein Begriff sein und hat sich damit einen guten Ruf erarbeitet. 2014 brachte er mit Lucy zwar einen bildlich guten Film hervor, der aber ab einem gewissen Punkt in der Handlung einfach übertrieben hat und damit die Meinungen spaltete. Nun nimmt er sich die Comicreihe Valerian und Laureline vor. Der erste Aufschrei erfolgte nach der Bekanntgabe des Namens des Films, denn der weibliche Part Laureline wurde komplett entfernt, so dass der Film nun nur noch Valerian heißt. Dann erschien der erste Trailer und zwei Sachen wurden schnell klar. Erstens: Der Film würde ein visuelles Erlebnis der Sonderklasse werden und den Gang ins Kino visuell entlohnen. Zweitens: Mit dem Casting von Cara Delevigne als Laureline würde der Film einiges an Qualität verlieren.
So beginnt der Film mit einer interessanten Entstehungsgeschichte zur Raumstation Alpha und der Geschichte eines traumhaften Planetens. Dann lernt der Zuschauer die Protagonisten Agent Valerian und Agentin Laureline kennen. Und hier macht der Film den ersten großen Fehler. Er versucht verzweifelt Schauspieler Dane DeHaan als Valerian als Charmeur und Frauenheld zu etablieren. Dies wirkt an keiner Stelle authentisch und stört den bis dahin sehr fließenden Erzählfluss. Weiter geht es zu dem wirklich spannenden und gut erzählten Part der Handlung. Bis sie sich schließlich auf Alpha wiederfinden. Hier schläft die Handlung dann fast vollständig ein, während eine Menge Dialoge geführt werden, ohne den Film richtig voranzubringen. Nach und nach deutet sich ein großes Geheimnis an, das aber letztendlich sehr vorhersehbar ist und daher weder Spannungs aufbauen kann noch den Film wirklich gut macht. Nebenbei werden immer wieder Nebenhandlungen eingebaut, die zwar eindrucksvoll das Universum vergrößern, den Film aber letztendlich nur künstlich verlängern. Da helfen auch schöne Ideen nicht weiter. Im Prinzip verschießt der Film am Anfang ziemlich viel Pulver bis ihm auf halber Strecke die Puste ausgeht.
Die wirklich große Stärke des Films ist ohne Zweifel die Bilder. Die visuelle Erzeugung einer einzigartigen Welt ist ein Genuss für das Auge. Leider stehen dem einige schlechte Castingentscheidungen entgegen. Die größte Enttäuschung dürfte Cara Delevigne sein. Mit nur einem Gesichtsausdruck – genervt – ist ihre Laureline nichts weiter als eine austauschbare Puppe, auch wenn die Charakterisierung der Rolle eigentlich etwas anderes vorgesehen hat. Dane deHaan als Valerian schien angesichts seiner guten Leistungen in a cure for wellness eine gute Entscheidung. Leider passt er sich allzu oft an die schlechten Vorlagen seiner Kollegin Delevigne an und will absolut nicht in die Rolle des draufgängerischen Charmeurs passen. So hat der Film gleich zwei Hauptdarsteller, die schauspielerisch wenig leisten. Das die anderen umso mehr leisten, ist in diesem Fall leider nicht mehr viel wert. Damit verschenkt der Film sehr viel Potential und bleibt so leider im unten Mittelmaß stecken.

Alles in allem ruht sich Valerian zu sehr auf seinen Bildern aus und kann nach der Hälfte weder Handlungstechnisch, noch darstellerisch etwas bieten. Dafür gibt es 04 von 10 möglichen Punkten.

To the Bone

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Am 14.07.2017 lief ein Film über Magersucht auf dem Streaming-Dienst Netflix an.

Ellen ist magersüchtig. Nachdem mehrere Therapien bereits fehlschlugen, besorgt ihre Stiefmutter ihr einen Platz in einem ganz neuartigen Therapieprojekt.

Erst vor kurzem hatte die Netflix Originalserie „13 reasons why“ eine heftige Diskussion ausgelöst. Nun spaltet Netflix neuer Film „To the Bone“ erneut die Meinungen und erneut wird der Film als schädlich abgestempelt. Er soll die dargestellte Magersucht verherrlichen und die Zuschauer, gerade die Teenager, eher in die Magersucht drängen, als von ihr abzuhalten. Fakt ist, dass sowohl Regisseurin Marti Noxon, als auch Hauptdarstellerin Lilly Collins magersüchtig waren. Der Film ist also nicht von Unwissenden gemacht worden, sondern von jemandem, der genau weiß, was die Krankheit mit einem macht.
Der Film setzt bereits im fortgeschrittenen Stadium ein. Protagonistin Ellen ist in einer Klinik, um ihre Magersucht behandeln zu lassen. Dabei provoziert sie bewusst, um schnellstmöglich wieder entlassen zu werden. So wird sie zurück zu ihrer „Familie“ geschickt. Doch diese ist komplett zerrüttet. Ihre Mutter lebt mit ihrer neuen Lebensgefährtin weit entfernt, ihr Vater lässt sich nie blicken und ihre übereifrige Stiefmutter versucht mit dem Thema fertig zu werden, in dem sie nach immer neuen Therapiezentren und Kliniken für Ellen sucht. Lediglich ihre Halbschwester hat ein gutes Verhältnis zu Ellen und versucht auf ihre Art für sie da zu sein. Eines Tages hört ihre Stiefmutter von einer ganz neuen Therapiegruppe. Der behandelnde Arzt Dr. William Beckham lässt betroffene Jugendliche in ungezwungener Atmosphäre zusammen wohnen und hat dabei nur wenige Regeln. Kann dies funktionieren?
To the Bone ist bestimmt kein Film, der die Magersucht in allen Facetten und in allen Entwicklungen beleuchtet. Ellen ist nicht die Magersüchtige, die alle Symptome und alle Verhaltensweisen der Krankheit in sich vereint. Ellen ist lediglich ein Beispiel. In der ersten Szene macht sie sich über eine Mitpatientin lustig, die ihre Krankheit daher hat, dass sie so aussehen möchte, wie die Models aus einer Zeitschrift. Dadurch räumt der Film bereits zu Anfang mit dem Klischee, dass alle Magersüchtigen zwangsläufig nur hungern, um wie die Models auszusehen. Im Laufe des Films werden noch andere Patienten gezeigt und bei jedem ist die Krankheit anders ausgeprägt.
Die Therapie von Dr. Beckham ist wohl der meist kritisierteste Teil des Films. Es wird von Anfang an zwar gesagt, dass er sehr experimentell und entgegen der üblichen Behandlungsmethoden ist, denn genau diese werden bewusst vermieden. Der Film will keine Klischees zeigen, sondern der breiten Masse zeigen, wie unterschiedlich die betroffenen sind. Das Magersucht eine Krankheit ist und die Betroffenen da nicht freiwillig hineinrutschen. Ob nun die gezeigten Behandlungsmethoden wirklich helfen, beantwortet der Film nicht. Denn ebenso wie viele Ursachen es geben kann, mindestens genauso viele verschiedene Behandlungsmethoden muss es geben.
Auch wurde kritisiert, dass Lilly Collins, obwohl sie sich für den Film erneut unter medizinischer Aufsicht herunterhungerte, viel zu hübsch bliebe. Vor allem ihr Gesicht zeigt kaum Anzeichen der Krankheit. Erst wenn die Kamera von ihrem Gesicht tiefer fährt, entdeckt der Zuschauer das gesamte Ausmaß. Den Film für seine hübsche Darstellerin nun zu verurteilen, scheint nicht angebracht, da Lilly Collins in ihrem Spiel wirklich die Krankheit in den Vordergrund setzt und diese glaubwürdig herüberbringt.
To the bone ist ein Film, der sich traut ein bisher verschwiegenes Thema aufzugreifen und zu beleuchten. Natürlich tut er es nicht mit allen ausführenden Erläuterungen, die beispielweise eine Dokumentation mit sich bringen würde, aber zeigt trotzdem, dass vollständiges hungern dem Körper eher schadet, als nützt. Wenn sich Teenager von diesem Film inspirieren lassen, um Magersüchtig zu werden, dann gab es vorher schon deutlich größere Ansätze, denn der Film verherrlicht an keiner Stelle die Magersucht. Über die Handlung gerade mit der sehr gewollten Liebesgeschichte, lässt sich natürlich streiten, aber seine Thematik nimmt der Film ernst.

Alles in allem greift To the Bone ein schwieriges Thema auf und behandelt dieses Ernsthaft ohne Dokumentationscharakter. Dafür bekommt er 07 von 10 möglichen Punkten.

Baby Driver

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Am 27.07.2017 erschien ein rasanter Film mit großem Wert auf den Soundtrack in den deutschen Kinos.

Baby hat seit einem Autounfall einen Tinitus auf den Ohren und hört daher Musik, um sich zu konzentrieren. Seit einer Jugendsünde arbeitet er als Fluchtwagenfahrer für Doc und ist trotz seines jungen Alters einer der besten. Doch insgeheim und gerade seit er die Kellnerin Deborah kennenlernte, möchte er gerne aussteigen.

Bereits nach dem ersten Trailer waren zwei Sachen klar. Zum einen wird Baby Driver ein rasantes Erzähltempo haben, das genau auf den einzigartigen Soundtrack abgestimmt wurde. Zum anderen wird die Handlung nur Mittel zum Zweck sein und daher nicht ausgereift oder sonderlich originell. Und genau das sollte jedem Zuschauer beim Betreten des Kinosaals bewusst sein. Wer einen tiefgründigen Film sucht, der eine ausschweifende Handlung vorweist, der sollte sich von Baby Driver fern halten. Wer aber einen Film sucht, bei dem jede Szene und jede einzelne Bewegung der Darsteller auf den dazu eingespielten Song ausgelegt ist und der dadurch eine unglaubliche Dynamik entwickelt, der ist bei dem Film genau richtig.
Die Grundhandlung ist sehr simpel erklärt. Protagonist Baby hat einen Tinitus auf den Ohren – hört also ein ständiges Piepen. Um diesen zu übertönen und um sich konzentrieren zu können, hört er fast pausenlos Musik. In seiner Jugend hat er sich etwas überschätzt und daher Schulden beim Kriminellen Doc gemacht. Um diese abzuarbeiten, fährt er für Doc Fluchtwagen. Eines Tages lernt er Deborah kennen, die in einem Café kellnert. Er verliebt sich sofort in ihre Stimme. Nun versucht er das Fluchtwagen fahren und Deborah unter einem Hut zu bekommen, was gar nicht so einfach ist.
Auf diese einfache Handlung kommen die verschiedensten Charaktere, die durch ihre Eigenheiten dem Film schon eine ganz eigene Dynamik geben. Aber das wirklich ausschlaggebende ist der Soundtrack. Und der präsentiert viele verschiedene Facetten, wobei bei allen Songs eine Sache gleich ist. Sie passen immer zu 100% in die Szene. So hat selbst der einfach Gang zum Kaffee holen so viel Energie, wie es sonst nur ein Musikvideo ausstrahlen kann. Aber wenn der Soundtrack dann auf minutenlange Verfolgungsjagden trifft, beweist Baby Driver, wie viel die richtige Musik ausmachen kann. Und obwohl der Film sein Hauptaugenmerk auf die präzise geschnittenen Verfolgungsjagden mit dem Soundtrack legt, bleibt die Handlung doch stets nachvollziehbar und zeigt alle wichtigen Facetten. Ganz nebenbei charakterisiert er auch noch die wichtigsten Darsteller, zwar nur oberflächlich, aber es wird trotzdem nur bedingt mit Stereotypen gearbeitet.
Einen großen Teil tragen auch die guten Darstellungen zum Erfolg des Films bei. Denn neben Ansel Elgort als Baby, haben sich Schauspielgrößen, wie Kevin Spacey und Jamie Foxx versammelt. Während Spacey merklich unterfordert ist, scheint er trotzdem seinen Spaß am Dreh zu haben. Gleichzeitig zeigt Ansel Elgort noch einmal eine ganz neue Seite an sich, die sich von seinen bisherigen Rollen abhebt. Trotzdem passt sein Gesicht noch immer zu der titelgebenden Rolle, was seine gewollte Coolness im Film etwas verblassen lässt.

Auch ohne große Handlung überzeugt Baby Driver in vielen Bereichen und hinterlässt einen bleibenden Eindruck. Dafür gibt es 08 von 10 möglichen Punkten.

Verpasst, aber nicht vergessen – Teil 8

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Hallo ihr Lieben,
es wird mal wieder Zeit euch ein paar Filme meiner Verpasst-Liste vorzustellen, die ich inzwischen nachholen konnte.

1) Kundschafter des Friedens

Wenn der BND überfragt ist, aber dringend eine Lösung her muss, ja dann müssen die inzwischen pensionierten „Kundschafter des Friedens“, also die früheren Auslandsagenten der DDR her. So wurde im Trailer ein Generationskonflikt angekündigt im komödiantischen Stil mit ein bisschen Action. Leider schoss der Film am Ziel vorbei und konnte nur bedingt unterhalten. Neben vielen netten Ideen wurde der Film zu sehr auf Slapstick ausgelegt und konnte einfach keine Spannung aufbauen. Stattdessen mischte sich ganz nebenbei eine zu große Portion Drama mit ein, die dem Film nicht gut tat. Dafür gibt es 04 von 10 möglichen Punkten.

2) Unsere Zeit ist jetzt

Seit neustem scheint es ja Mode zu sein, dass jeder Musiker auch schnell seinen eigenen Film bekommt. So auch Cro, der in seinem Film aber nicht seine Geschichte erzählt – wie noch Bushido in „Zeiten ändern dich“ – sondern eine fiktive Geschichte über eine Ideenausschreibung zu seinem eigenen Kinofilm. Vanessa, Ludwig und Dawid gewinnen diese und versuchen nun ihre Ideen umzusetzen. Dabei geht es im Film mehr um die Beziehungen der Charaktere untereinander, als wirklich um Cro und seine Musik. Einerseits ist dies mal ein neuer Ansatz für einen Musikerkinofilm, andererseits krankt der Film an der nicht ausgereiften Handlung und dem sehr sprunghaften Drama zwischendurch. So hat der Film zwar gute Ansätze, weiß aber nicht so richtig, was er aussagen soll und sagt daher einfach gar nichts aus und verliert sich in zu vielen einzelnen Handlungssträngen. Dafür gibt es 04 von 10 möglichen Punkten.

3) Gods of Egypt

So viel Gold hat die Leinwand wohl seit Onkel Dagoberts Geldspeicher nicht mehr gesehen. Dazu wurden allerlei bekannte Schauspieler gecastet von Gerard Butler über Geoffrey Rush bis zu Nikolaj Coster-Waldau. Doch auch der größte Prunk und die besten Schauspieler können eine abstrose, mit CGI zugebombte Handlung nicht retten. Hier wurde die ägyptische Mythologie genommen und solange darauf eingeprügelt, bis nes ins 08/15 Hollywood Klitschee passte. Abgesehen von ein paar Orten und ein paar Namen ist nicht viel von ihr übrig geblieben. Wäre die Geschichte nun wenigstens spannend oder interessant, hätte man darüber hinwegsehen können, aber so versagt der Film auf ganzer Linie. Dafür gibt es 03 von 10 möglichen Punkten.

4) Can a song save your life?

Was wenn Musik deine ganze Leidenschaft ist, aber das Leben einfach immer wieder dazwischen funkt? So erzählt der Film liebevoll die Geschichten von Gretta, die von ihrem inzwischen erfolgreichen Musikerfreund betrogen wurde und Dan, der aus seinem eigenen Musiklabel gefeuert wurde. Zusammen suchen sie ihren eigenen Weg und leben dabei ihre Liebe zur Musik voll aus. Der Film hat vielleicht nicht die ausuferndste oder originellste Handlung, aber er macht es mit einer Menge Charme und einem tollen Soundtrack wieder wett. Gleichzeitig merkt man den Schauspielern an, dass sie eine Menge Spaß bei den Dreharbeiten hatten und so ist es einfach ein Feel-Good-Movie. Dafür gibt es 07 von 10 möglichen Punkten.

5) A royal Night

Nach dem Ende des zweiten Weltkriegs wollen die beiden Schwestern Elisabeth und Margaret sich dem Feiertrubel auf Londons Straßen anschließen. Das Problem an der Sache ist nur, dass sie die Prinzessinen des Landes sind. Aus dieser Grundvoraussetzung wird ein charmanter kleiner Film, der ganz nebenbei die verschiedenen Charaktere von Margaret und Elisabeth untersucht, aber auch die Nachwirkungen, die der Krieg hinterlassen hat. Dabei braucht er keine große ausufernde Handlung und schafft es trotzdem Spannung aufzubauen und zu halten. Dafür gibt es 07 von 10 möglichen Punkten.

American Gods

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Bereits vor der Ausstrahlung der ersten Folge war die neue Serie „American Gods“ in aller Munde. Ähnlich wie bei Westworld weckte dieser Vorhype mein Interesse und ich sah mich mir die Serie an.

Shadow Moon wird nach einem Gefängnisaufenthalt von dem undurchsichtigen Mr Wednesday als Bodyguard „gecastet“. Zusammen reisen sie durch das Land und treffen auf allerhand alte und meistens fast vergessene Götter, während sie von den neuen Göttern verfolgt werden.

Was macht ein Gott zu einem Gott? Laut der neuen Serie „American Gods“ einfach nur die Tatsache, dass die Menschen an ihn glauben. So landeten mehrere Götter in Amerika, weil die Menschen an sie glaubten. Doch mit der Zeit verblasste die Erinnerung an die alten Sagen und somit auch der Glaube an die Götter immer mehr. In Amerika wuchs der Glaube an technische Entwicklungen und die Medien. Dadurch konnte die sogenannten neuen Götter entstehen. Nun inszeniert die Serie „American Gods“ genau diesen Konflikt. Es sind die alten Götter, die sich erheben wollen und die neuen Götter, die genau dies verhindern wollen.
Das Problem an der Serie ist jedoch, dass diese Handlung so genau gar nicht erkennbar ist. Stattdessen werden immer wieder einzelne Handlungsabschnitte gezeigt, die auf dem ersten Blick gar nichts mit der Haupthandlung zu tun haben. Und auch die Haupthandlung um Shadow Moon und Mr Wednesday und ihren Trip quer durch die USA erklärt so wenig von den Absichten dahinter, dass auch dieser sehr willkürlich wirkt.
Die erste Staffel besteht aus acht Folgen und erst die achte gibt ein wenig Aufschluss auf das Ziel der Serie. Dadurch macht aber die letzte Folge auch unglaublich viel Freude auf die nächste Staffel. Nachteil daran ist, dass man sich erst durch die Folgen davor wühlen muss. Gerade die ersten Folgen, die einem eigentlich den Einstieg in die Serie ermöglichen sollen, sind so wirr und ohne Aussage, dass der einzige Antrieb die Serie weiterzugucken der ist, endlich zu erfahren, worum es hier denn geht. Keine gute Voraussetzung.
Bryan Fuller inszeniert die Serie mit seiner einzigartigen Handschrift aus guten Schauspielern und vor allem faszinierenden Bildern. Seine immer sehr ruhige Erzählweise, die er bereits bei der Serie Hannibal frei auslebte, lassen allerdings den Spannungsbogen sich nicht so richtig aufbauen. Seine Erzählweise mag bei Hannibal durchaus funktioniert haben, hier scheint sie doch teilweise sehr unpassend. Fullers Drang jede Folge als halbes Kunstwerk zu inszenieren, führt zwar zu den schönen und unverkennbaren Bildern, aber stört auch irgendwo die Erzähldynamik. So kann man American Gods zwar als Aneinanderreihung von kunstvollen Bildern sehen, doch kränkelt die Serie dadurch an einer erkennbaren Handlung.
So pendelt die Serie zwischen guter Grundidee und übertriebener Umsetzung. Das die Serie ihren ganz eigenen Reiz hat, kann man ihr nicht einmal aberkennen. Denn irgendwo schafft sie es doch die Zuschauer an sich zu binden und große Erwartungen an die zweite Staffel zu schüren. Die Charaktere und auch die Geschichten der verschiedenen Götter sind interessant. Es scheitert bei der Serie einfach nur an der Konsequenten bzw. aussagekräftigen Umsetzung. Und ein bisschen mehr Hintergrundwissen zu den behandelten Göttern wäre manchmal auch nicht schlecht. Ich kenn mich nicht in jeder Mythologie perfekt aus.

Alles in allem ist die erste Staffel lediglich eine Weichenstellung für die zweite und kränkelt an Bryan Fullers Stil, der einfach nicht so richtig funktionieren will.

Cinemathek: Moonlight

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Willkommen in der Cinemathek, heute mit: Moonlight. Der Film lief ursprünglich ab dem 09.03.2017 in den deutschen Kinos.

Chiron lebt in Miami, ist Afroamerikaner und schwul. In drei Abschnitten wird sein Leben und seine Identitätssuche erzählt.

Es war der Skandal bei der diesjährigen Oscarverleihung. Während sich das Team von La La Land bereits freute die Königsdisziplin „bester Film“ gewonnen zu haben, ging im Hintergrund das Gerenne los. Bis schließlich wieder jemand ans Mikrofon trat und verkündete, dass es sich um eine Verwechslung handele und der rechtmäßige Gewinner Moonlight seie. Nachdem dann auch geklärt war, dass es sich nicht um einen Scherz handle, sondern wirklich Moonlight gewonnen hätte, war das Chaos auf der Bühne perfekt. Dieses Spektakel dürfte vielen zuerst einfallen, wenn sie an den Film Moonlight denken. Doch was kann der Oscargewinner nun?
Regisseur Barry Jenkins erzählt uns die Geschichte von Chiron. Chiron lebt in Miami, ist Afroamerikaner und schwul. Das ist die Ausgangssituation. In drei Lebensabschnitten, als Kind, als Teenager und als Erwachsener bekommt der Zuschauer Einblicke in Chrions Leben, das von seiner Identitätssuche und seiner Suche nach Vorbildern geprägt wird.
Zunächst zeigt Jenkins uns Chrions Kindheit, in der er von den meisten Leuten „Little“ genannt wird. Da seine Mutter drogenabhängig ist, ist er oft auf sich alleine gestellt. In Juan entdeckt er zusammen mit dessen Freundin Teresa Ersatzeltern. Doch Juan ist selbst Drogendealer und damit nicht ganz unschuldig an der Sucht von Littles Mutter.
Nach einem harten Schnitt wird das Teenagerleben von Chiron gezeigt, der inzwischen bei seinem richtigen Namen genannt wird. Auch als Teenager kämpft er noch mit den drogenabhängigen Launen seiner Mutter. Hinzu kommt seine Homosexualität, die er nicht offen zugeben mag, da er sowieso schon in einem Strudel aus Mobbing und Erniedrigungen steckt.
Nach einem weiteren harten Schnitt sehen wir Chiron als Erwachsenen. Inzwischen nennt er sich selbst Black und orientiert sich im Lebensstil an sein Vorbild aus Kindheitstagen Juan. Doch ein Anruf seines Kindheitsfreunds Kevin bringt ihn so sehr ins Wanken, dass er seiner alten Heimat Miami einen Besuch abstattet, obwohl er ihr seit Jahren den Rücken gekehrt hatte.
Moonlight zeichnet sich vorallem dadurch aus, dass er sehr wenig Dialoge hat, weswegen auch sehr wenig erklärt wird. Es wird vom Zuschauer erwartet in Handlungen und Blicke sehr viel hinein zu interpretieren. Dies klappt trotz guter Schauspielleistungen nur bedingt und so bleiben am Ende jeden Abschnittes mehr Fragen offen als beantwortet.
Mit einer Laufzeit von 111 Minuten ist Moonlight zu lang, um Spannung aufzubauen. Während dies in Abschnitt eins und zwei noch teilweise gelingt, baut Abschnitt drei in Spannungsfragen noch einmal ab und gerade das Ende zieht sich. Hier hätte man die ganze letzte Szene im Diner wegkürzen können und dem Film hätte nichts an Aussage gefehlt. Auch hat Moonlight zwar die Thematik der Homosexualität angesprochen und auch geht auch in ein paar Szenen drauf ein. Leider wird die thematik dennoch zu sehr vernachlässigt, als das sie eine wirkliche Rolle im Film spielt. Das Thema der Identitätsfindung und der Drogen sind viel präsenter, so dass es gereicht hätte sich auf diese beiden zu konzentrieren und trotzdem wäre ein runder Film bei herausgekommen.
Moonlight konnte von acht Nominierungen immerhin drei Oscargewinne einheimsen. Ob Moonlight nun wirklich ein besserer Film als seine Mitnominierungen war, darüber lässt sich streiten. Mahershala Ali gewann die Kategorie bester Nebendarsteller. Dies für seine doch relativ einfach gestrickte Rolle und seine kurze Screentime scheint doch von anderen Faktoren bestimmt, als die tatsächliche Leistung. Einen Dev Patel in Lion konnte er nicht übertrumpfen in seiner Darstellung. Auch der Oscar als bestes adaptiertes Drehbuch scheint angesichts der Konkurrenz nicht so richtig berechtigt.

Alles in allem erzählt Moonlight eine gute Geschichte, aber mit Schwächen. Dafür gibt es 06 von 10 möglichen Punkten.

Dunkirk

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Am 27.07.2017 erschien Christopher Nolans Werk über die Evakuierung Dünkirchens in den deutschen Kinos.

1940. Ca. 370 000 Soldaten sind in der französischen Hafenstadt Dünkirchen (englisch: Dunkirk) eingeschlossen und warten auf Rettung über die See, in die Heimat nach England. Dabei kämpfen sie gegen deutsche U-Boote, deutsche Luftangriffe und Naturgewalten, wie Ebbe und Flut.

Wie viele Filme es inzwischen über Geschehnisse im zweiten Weltkrieg gibt, kann wohl kaum noch einer zählen. Doch erstmals wagt sich auch Christopher Nolan an die Thematik. Bekannt für die Batman The Dark Knight Reihe, aber vorallem durch seine Filme, die man mehrfach schauen muss, um alle verworrenen Handlungsstränge verstehen zu können. Dazu zählen u. a. Memento Inception und Interstellar. Die Schlacht bzw. die Evakuierung von Dünkirchen während des zweiten Weltkrieges scheint so gar nicht richtig ins Schema zu passen. Doch Christopher Nolan beweist einmal mehr, dass er zu Recht ein Regisseur von Meisterwerken ist.
Dunkirk wartet gleich mit drei Erzählabschnitten auf. Abschnitt 1 „die Mole“ behandelt die eingeschlossenen Soldaten, die am Strand von Dünkirchen auf Rettung durch Schiffe wartet. Abschnitt 2 „die See“ behandelt die von der Marine beschlagnahmten zivilen Schiffe, die zu einer Rettungsaktion starten, da sie weniger Tiefgang im Wasser haben. Abschnitt 3 „die Luft“ behandelt drei Spitfires von der Royal Air Force, die versuchen die deutschen Bomber aus der Luft aufzuhalten, die wiederum versucht haben die evakuierenden Schiffe aufzuhalten. Das interessante an der Erzählweise der drei Abschnitte ist, dass sie parallel erzählt werden, aber unterschiedliche Längen aufweisen. So dauern die Geschehnisse des ersten Abschnitts eine Woche, die des zweiten einen Tag und die des dritten gerade einmal eine Stunde. So kommt es vor, dass zwischen den Perspektiven hin und her geschnitten wurde und bei den einen Tag und bei den anderen Nacht ist. Gerade diese verworrene Erzählweise, die wieder so typisch für Nolan ist, lässt den Film niemals an Spannung nachlassen. Durch Überlappungen der Abschnitte kommt es nämlich zu Wiederholungen in der Geschichte, von der man zunächst denken könnte, dass es sich um neue handelt.
Dunkirk zeichnet sich auch dadurch aus, dass der gesamte Film mit sehr wenig Dialogen daher kommt. Die Musik von Hans Zimmer ist der ständige Begleiter des Films und auch Zimmer beweist hier einmal mehr, dass er ein Meister auf seinem Fachgebiet ist. Allein der Einsatz von Geigen in einer der Anfangsszenen erzeugt so viel Spannung, obwohl von der Handlung her noch wenig passiert, dass man als Zuschauer permanent an den Kinosessel gefesselt wird. Auch zeigen die Bilder genug, um den Film mit so wenig Dialog auskommen zu lassen.
Dadurch kommt der zweite sehr positive Effekt von Dunkirk zu stande. Im Gegensatz zu anderen Kriegsfilmen, die die reine Brutalität eines Schlachtfeldes einfangen, wie zuletzt beispielsweise Hacksaw Ridge, verzichtet Nolan hier auf blutige Schlachtdarstellung. Dennoch kommt es an keiner Stelle zur Romantisierung des Krieges, was viele Kritiker im Vorfeld des Films befürchtet hatten. Denn Dunkirk zeigt die brutale Realität, verzichtet dabei aber auf die blutigsten Darstellungen. Stattdessen kämpfen die Soldaten in Dunkirk gegen einen praktisch unsichtbaren Feind. Es sind die plötzlich auftauchenden Bomber am Himmel, oder die aus dem nichts kommenden Torpedos, die als ständige Gefahr präsent sind. Und es ist die nackte Angst, die den Soldaten fast durchgehend ins Gesicht geschrieben ist, die den Krieg so real macht.
Nummer 3, warum Dunkirk so gut geworden ist, ist wohl die Tatsache, dass er fast durchgehend auf Helden und Patriotismus verzichtet. Lediglich Tom Hardys Figur scheint den typischen Helden zu mimen. Ansonsten wird der Film aus Sicht von dem typischen Durschnittsssoldaten gezeigt, der eigentlich viel zu jung und unerfahren ist und aus Sicht von Zivilisten, die mehr oder weniger in den Krieg mit reingezogen wurden.
Und so kommt in Dunkirk einfach alles zusammen. Eine realistische, aber unblutige, Darstellung der Ereignisse, kaum Patriotismus, realistische Charaktere, eine durchgehende Spannung, die an keiner Stelle nachlässt, drei verschiedene Handlungsabschnitte, die den Krieg aus verschiedenen Sichten darstellen und das ganze zusammen mit durchgehend guten schauspielerischen Leistungen.

Dunkirk macht praktisch fast alles genau richtig. Über kleinere Details kann man sich immer streiten, aber Dunkirk ist auf jeden Fall eine große Sehempfehlung. Dafür gibt es 09 von 10 möglichen Punkten.

Spider-Man – Homecoming

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Am 13.07.2017 erschien die inzwischen dritte Version von Spider-Man in den deutschen Kinos.

Peter Parker alias Spider-Man ist nach seinem Kampf im „Civil War“ der Avengers wieder zurück in New York und muss sich wieder seinem Alltag stellen. Schule, die erste große Liebe und ganz nebenbei will er seinem neuen Mentor Tony Stark alias Iron Man beweisen, dass er das Zeug zu einem richtigen Avenger hat. Als er dann auf The Vulture trifft, scheint seine Chance gekommen zu sein.

Bevor das Marvel Cinematic Universe mit Iron Man im Jahre 2008 durchstartete, hatten sie bereits einige Helden ausgelagert. Unter anderem hatte die Marvel die Rechte von Spider-Man an Sony verkauft. Sony produzierte also in den Jahren 2002 bis 2007 die erste Trilogie mit Tobey Maguiere in der Hauptrolle. Nachdem das MCU in den folgenden Jahren voll durchstartete, versuchte Sony mit ihrem alten Helden neu durchzustarten und sich mehr an der Konkurrenz zu orientieren. Andrew Garfield wurde nun der Amazing Spider-Man und schaffte 2012 und 2014 jeweils einen Film auf die Leinwand zu packen. Hier wurde ein kompletter Reboot geschaffen und erneut die Geschichte vom Biss der Spinne erzählt. Doch Marvel wollte ihren Helden zurück und begann intensive Verhandlungen. Das Ergebnis: Sony ließ ihren erworbenen Helden soweit von der Leine, dass er seinen ersten Auftritt in Captain America 3 – Civil War im Jahr 2016 haben durfte. Bereits hier verkörperte ihn Tom Holland als inzwischen dritter Spider-Man der Leinwand.
Nun ist Spider-Man im wahrsten Sinne des Wortes „Homecoming“, also nach Hause gekommen“. Erleichterung auf Seiten der Fans gab es bereits, als feststand, dass es sich in der Marvel Version nicht um ein Reboot ging. Es gab keinen neuen Film über den Biss mit der Spinne und den Kampf mit den Oswalds. Stattdessen hat Spider-Man in Homecoming seine Fähigkeiten bereits und kämpft nun damit diese in seinen Alltag zu integrieren. Sein größter Wunsch ist es, nach seinem ersten Abenteuer zu den Avengers zu gehören. So versucht er die freundliche Spinne von nebenan zu sein, möchte aber eine große Herausforderung, um seinem neuen Mentor Tony Stark endlich zu beweisen, dass er den Avengers gewachsen ist. Als er auf The Vulture trifft, glaubt er seine Chance bekommen zu haben.
Prüfungen, Schulprojekte, der bevorstehende Homecoming-Ball, das Leben eines Teenagers ist schon so schwierig genug, auch ohne das außerschulische Projekt Spider-Man. Während es auf der einen Seite schön ist, einen sehr bodenständigen Spider-Man zu sehen, ist es auf der anderen Seite stellenweise doch etwas langatmig sich mit den langweiligen Schulproblemen auseinander zu setzen. So braucht Homecoming einige Zeit, um in Schwung zu kommen. Auch die Witze zünden nicht immer im gewohnten Marvel-Umfang, sind aber dennoch gut durchdacht. Dadurch ist der Spannungsbogen weniger ein Bogen als viel mehr eine Sinus-Kurve – also ein auf und ab, zwischen langatmigen Teenagerschulproblemen und spannenden Spider-Man Auftritten.
Vielleicht hätte es dem Film gut getan, den alteingesessenen Avenger Tony Stark alias Iron Man nicht nur für vereinzelte Szenen, sondern für den Großteil des Films einzuspannend und ihn dadurch mehr als eine Art Ersatzvater zu etablieren. Vielleicht hätte man dem Bösewicht The Vulture gespielt von Michael Keaton auch einfach mehr Spielraum geben sollte. Denn zwar wird sich am Anfang Zeit genommen und die Motive des Bösewichten vorgestellt, die sich auch gut in das Universum einfügen, aber dann in Vergessenheit geraten und The Vulture zu einem typischen Bösewicht wird ohne Seele und Tiefgang. Hier zeigt Marvel wieder, dass sie in Erschaffung von Bösewichten nicht so geschickt sind.

Alles in allem zündet Spider-Man – Homecoming nicht wie erwünscht, macht zwar vieles richtig, kränkelt aber an der erweiterten Ausführung. Dafür gibt es 06 von 10 möglichen Punkten.

New York Diaries

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Bereits im September 2016 erschien der erste Teil der New York Diaries. Vier Bände umfasst die Reihe, der letzte erschien Anfang des Monats. Durch ausufernde Werbung auf Seiten von Lovelybooks, wurde ich auf die Reihe aufmerksam und verschlang seitdem einen Titel nach dem nächsten. Die Bücher werden abwechelnd von Ally Taylor und Carrie Price geschrieben.

In New York steht das Knights Building. Ein bisschen heruntergekommen und verwohnt, aber mit viel Charme. Hierhin zieht es eben jene jungen New Yorker, die nicht viel Geld für Miete, dafür aber umso größere Träume haben. Hier stranden Claire, Sarah, Phoebe und Zoe und zwar ganz unabhängig voneinander. In den New York Diaries werden ihre Geschichten erzählt.

Band 1 – Claire

Im ersten Band lernen wir Claire kennen, die für ihren Freund nach London zog und dort von ihm verlassen wurde. Nun zieht sie bei ihrer besten Freundin June in den begehbaren Kleiderschrank und versucht in der Großstadt New York Fuß zu fassen. Problem ist jedoch, dass ihr ehemals bester Freund Danny ebenfalls ihr neuer Mitbewohner ist und ihre erste große Liebe Jaime direkt unter ihr wohnt. Gefühlschaos ist hier vorprogrammiert.
Claires Geschichte ist eine nette Einleitung für die New York Diaries. Der Leser lernt mit ihr die Stadt und auch das Knights Building neu kennen. Da viel Handlung im Gebäude spielt, bekommt man einen guten Überblick über die Begebenheiten. Aber so richtig warm bin ich mit Claire nicht geworden.

Band 2 – Sarah

Im zweiten Band lernen wir Sarah kennen, die bereits länger im Knights Building wohnt und davon träumt mit ihrem Musikblog erfolgreich zu werden bzw. Musikjournalistin werden möchte. Kurz darauf treten gleich zwei Männer in ihr Leben. Der junge Musiker Will mit der Hammerstimme und Charlie, Sohn eines bedeutenden Musikproduzenten. Hier tritt neben der klassischen Dreiecksbeziehung auch der Wunsch mit der eigenen Leidenschaft erfolgreich zu werden. Damit entwickelt sich ein schöner Gegensatz zu Claire. Sarah ist dabei ein grundsympathischer Charakter, der in einer Selbstfindungsphase steckt. Mit einer der stärksten Bände.

Band 3 – Phoebe

Phoebe und David stehen an unterschiedlichen Orten in New York vor dem gleichen Problem. Sie haben den falschen Koffer am Flughafen gegriffen. Während sie versuchen ihren eigenen Koffer wiederzubekommen, entdecken Sie Tagebuch und unveröffentliches Manuskript des jeweils anderen und entwickeln Gefühle für den jeweils anderen, ohne sich je gesehen zu haben. Werden sie zueinander finden?
Mein absoluter Lieblingsband der Reihe. Denn hier wird zum einen aus den beiden Sichten Phoebe und David erzählt, zum anderen sind die Charaktere einfach wunderbar mit ihren ganz eigenen Macken und die Geschichte berührt das Herz ohne dem ganz großen Drama.

Band 4 – Zoe

Zoe will Schauspielerin werden und taucht mit vielen Träumen in New York auf. Gleich in ihrer ersten Nacht trifft sie auf Matt. Doch das Schicksal meint es nicht leicht mit den beiden, denn Zoe muss schon bald zwischen Herz und Karriere entscheiden.
Leider der schwächste Band der Reihe als Abschluss. Zoe ist nämlich nicht viel mehr als die naive und nervigere Fassung von Sarah. Während man bei Sarah aber noch Charaktertiefe fand, wirkt Zoe wie das Püppchen, dass sie doch angeblich nicht sein möchte. Hier konnte mich der Band nur noch bedingt mitreißen.

Die New York Diaries Gesamteindruck

Die New York Diaries haben genau das, was eine gute Buchreihe braucht: Humor, tolle Charaktere, einen flüssigen Schreibstil und ganz viel Gefühl. Autorin Ally Taylor beschreibt ihre Romane gerne als Popcornliteratur und ich denke, dass beschreibt die Reihe sehr gut. Mehr als zwei Tage habe ich für keines der Bücher gebraucht – ein Tag wenn mich der Band fesseln konnte – und den unglaublichsten Tiefgang hat auch keines der Bände. Aber den habe ich hier auch gar nicht erwartet und war mit dem Ergebnis beinahe vollkommen zufrieden. Weiterempfehlen kann ich sie auf jeden Fall. Gerne hätte ich noch weitere Bände der Reihe, aber laut Internetquellen scheint die Reihe nun abgeschlossen.

Cinemathek: 7 Minuten nach Mitternacht

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7

Willkommen in der Cinemathek, heute mit: 7 Minuten nach Mitternacht. Der Film lief ursprünglich ab dem 04.05.2017 in den deutschen Kinos.

Conor lebt bei seiner schwer kranken Mutter. Doch da diese sich kaum noch um ihn kümmern kann, tritt seine strenge Großmutter auf den Plan. In der Schule ärgern ihn die größeren Schüler. Eines Nachts erwacht die große Eibe vor seinem Fenster zum Leben und erzählt ihm drei Geschichten.

Als Kind gibt es wohl nicht schwierigeres und kein einschneidenderes Erlebnis als der Tod eines Elternteils. Noch schlimmer ist es wohl, wenn man ein Elternteil schon mehr oder weniger verloren hat und der andere nicht durch einen Unfall einen schnellen Tod hat, sondern man mit ansieht, wie das verbleibende Elternteil jeden Tag schwächer wird und man erkennen muss, dass der Tod nicht weit sein kann.
Genau bei dieser Überlegung, der wohl schwierigsten Kindheit – außerhalb der Krimihandlungen und Gewalttaten – setzt 7 Minuten nach Mitternacht an. Conor kämpft nicht nur mit alltäglichen Problemen eines Kindes, nicht nur mit den Prügeleien der größeren Mitschüler, nicht nur mit der Angst vor der strengen Großmutter und nicht nur mit der großen Entfernung zu seinem Vater. Conor kämpft jeden Tag mit der Angst seine Mutter zu verlieren und versucht sie am Leben zu halten und dabei noch den Haushalt zu führen. Dabei quält ihn jede Nacht der gleiche Alptraum. Eines Abend erwacht die alte Eibe vor seinem Fenster zum leben. Im ersten Moment wirkt sie furchteinflößend, doch sie will nur drei Geschichten erzählen.
Die Geschichten sind alle sehr schön gezeichnet und wirken wie Wasserfarbengemälde, so dass sie sich bildlich gut von der Haupthandlung abgrenzen. Die Geschichten sind vielfältig und zunächst versteht man nicht so Recht, was sie mit der Haupthandlung zu tun haben, bis sie sich durch Parallelen einfügen. Und die Geschichten sind eine gute Abwachslung zu der knallharten Haupthandlung. Hier wird nichts beschönigt, aber auch nichts ins übertriebene dramatische gezogen. Stattdessen wird sehr nüchtern der Leidensweg einer sterbenskranken Frau und ihres Kindes erzählt. Und genau diese schockierende Realitätsnähe ist es, was den Zuschauer ganz tief drinnen berührt und kaum ein Auge trocken lässt. Die Animation des Monsters ist ebenfalls sehr gut gelungen.
Die Charaktere des Film sind alle – bis auf das Monster – direkt aus dem Leben gegriffen. Neben der kranken Mutter, gibt es den Vater, der sich bereit vor der Krankheit von der Mutter trennte und nun im weit entfernten Los Angeles lebt und nur sporadisch zu Besuch kommt. Hier wird neben der eigentlichen Handlung auch noch die Klänge der Folgen einer Scheidung deutlich.
Die Darsteller sind gut gewählt. Felicity Jones ist wieder auf alter Höhe, wie bei „die Entdeckung der Unendlichkeit“. Lewis MacDougall macht im allgemeinen als Conor eine gute Figur, schwächelt aber in einigen Szenen doch an der Bandbreite der möglichen Emotionen.

Alles in allem überzeugt Sieben Minuten nach Mitternacht auf eine schmerzhafte Weise und lässt wohl kein Auge trocken. Dafür gibt es 07 von 10 möglichen Punkten.