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The Lego Movie 2 & Alita – Battle Angel – 2 Kurzkritiken

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Durch meinen Urlaub bin ich für zwei Filme mal wieder ein bisschen spät dran mit den Kritiken. Da es mir auch für beide schwer fällt die richtigen Worte zu finden, versuche ich mich kurz zu fassen und euch doch meine Gedanken zu den Filmen mitzuteilen.

The Lego Movie 2

Die Handlung: Nach dem Einmarsch der Duplo Figuren, hat sich die Lego Welt in eine postapokalyptische verwandelt, ganz im Stile der Mad Max Filme. Doch eine neue Invasion steht bevor, bei der Emmetts Freunde gekidnapped werden. Nun ist es an ihm seine Freunde zu retten.
Meine Meinung: 2014 erschien der erste Lego Movie im Kino. Die Idee die beliebten Steine zu animieren und daraus ein Abenteuer zu machen, war da noch innovativ und so wurde der Film zum Erfolg. Inzwischen hat das Studio aber mit The Lego Batman Movie und The Lego Ninjago Movie nachgesetzt. Erste Ermüdigkeitserscheinungen bleiben da nicht aus, da es nun doch nichts neues mehr ist. Umso wichtiger wurde es, dass der zweite Lego Movie nun mit einer interessanten und durchdachten Geschichte daherkommt. Leider ist es genau das, was dem Film fehlt. Denn zum einen wird zwar die Geschichte aus dem ersten Teil logisch weitergestrickt, andererseits verliert sie sich an eine sehr frühen Punkt schon, so dass die zuvor liebgewonnenen Figuren auf einmal belanglos wirken und ihren Witz und Charme stark eingebüßt haben. Ein wenig scheint man sich hier auf dem gewonnenen Erfolg auszuruhen. So ist die Geschichte rund um Königin Wasimma Si-Willi sehr unausgegoren und wirr erzählt. Lediglich die Auflösung am Ende und kleinere Gags zwischendurch können den Film noch ein wenig retten. Doch so richtig witzig ist er nicht mehr. Dafür gibt es wieder einen schönen Ohrwurm…
Das Fazit: The Lego Movie 2 versucht auf der selbstgeschaffenen Welle weiterzureiten, säuft aber größtenteils ab. Trotz kleinerer schöner Ideen und Gags kann die Haupthandlung nicht überzeugen. Dafür gibt es 05 von 10 möglichen Punkten.

Alita – Battle Angel

Die Handlung: Der Cyborg-Arzt Ido (Christoph Waltz) findet auf dem Schrottplatz der letzten Himmelsstadt Zalem die noch lebenden Reste eines Cyborgs. Er nimmt sie mit, gibt ihr einen neuen Körper und einen Namen: Alita (Rosa Salazar). Sie kann sich jedoch an nichts erinnern, lernt nach und nach das Leben in Iron City kennen und trifft auf den Jungen Hugo, der ihr die Sportart Motorball zeigt. Ausgelöst durch eine Gefahrensituation, entdeckt Alita, dass sie eine veraltete Art der Kampfkunst intuitiv beherrscht. Nun versucht sie noch intensiver ihre Vergangenheit zu verstehen.
Meine Meinung: Alita – Battle Angel ist ein Film, der auf einer 9-bändigen Mangareihe basiert. Dadurch hat er sehr viel Stoff zu erzählen, die gefühlt locker in eine ganze Serie gepasst hätte. Stattdessen wird sehr viel Handlung in gerade einmal 122 Minuten gepresst. Dadurch kommt gerade die Erklärung der Welt ziemlich zu kurz. So weiß man am Ende immer noch nicht, was es mit Zalem und dem großen Krieg auf sich hat. Dafür spielt Rosa Salazar ihre Alita mit einer Hingabe, die viel Sympathie entwickelt. Begleitet wird sie von Christoph Waltz, der seit Jahren mal wieder eine neue Seite in seinem Spiel zeigen kann. Ebenfalls mit dabei sind mir sehr sympathische Schauspieler, wie Mahershala Ali, Ed Skrein und Jennifer Connelly, auch wenn sie nicht unbedingt sympathische Rollen spielen. Die Handlung springt zwischendurch leider ein wenig, was wohl dem vielen Stoff geschuldet ist. Gerade das Ende wirkt dann doch etwas übereilt und abrupt. Hier kann man sich nur freuen, wenn der zweite Teil dann irgendwann angekündigt wird.
Das Fazit: Alita – Battle Angel ist ein grundsolider Film, der sich ein bisschen zu viel vorgenommen hat und dadurch kleinere Schönheitsfehler hat. Doch ein guter Cast und eine interessante Geschichte kann das meiste ausbügeln. Dafür gibt es 07 von 10 möglichen Punkten.

Ralph breaks the Internet

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Ein Vorwort

2012 erschien mit Ralph reicht’s der erste Teil der Reihe. Hier hätte wohl zunächst kaum einer mit dem Erfolg des Films gerechnet. Aber hier wurden unter anderem auch die Gamer angesprochen, da der Film voll ist mit Anspielungen auf die alten Arcadespiele. Und so war es nicht weiter verwunderlich, dass eine Fortsetzung kommen würde. Diesmal dürfen Ralph und Vanellope das Internet unsicher machen. Ob der Film so viel Spaß macht, wie der Trailer es ankündigte, erfahrt ihr hier.

Die Handlung

Ralph und Vanellope haben ihren allabendlichen Rhythmus gefunden. Doch wünscht sich Vanellope mehr und mehr einen Ausweg aus dem Alltag. Als dann ihr Spiel kaputt geht und gleichzeitig die Konsolen mit dem W-Lan verbunden werden, nutzen die beiden die Chance um die Weiten des Internets zu erkunden und ein Ersatzteil für Vanellopes Spiel zu besorgen.

Meine Meinung

Zweite Teile sind bei Disney ein bisschen tricky. Wie viele grandiose erste Teile wurden mit einem zweiten Teil absolut verhunzt? Man denke nur an Desaster, wie Mulan 2. Andererseits gab es auch gute zweite Teile, wie beispielsweise Der König der Löwen 2 – hier wurde erst mit dem dritten Teil alles absolut übertrieben. Nun stand die Fortsetzung des Überraschungserfolges aus dem Jahr 2012 auf dem Plan.
Grundsätzlich wurde hier eine Fortsetzung geschaffen, bei der man nur wenig über den ersten Teil wissen muss. Wichtig ist nur, dass Ralph und Vanellope Spielfiguren aus alten Arcadespielen sind und inzwischen befreundet. Die Handlung selbst treibt die beiden schnell in die Weiten des Internets. Hier zeigt sich wieder einmal, dass Disney der Ideenreichtum noch nicht ganz ausgegangen ist, auch wenn die unzähligen Live-Action-Remakes daraufhin deuten. Denn die Welt aus Google, Ebay und vielen anderen ist uns im täglichen Leben durchaus bekannt, dennoch wird sie mit einer Liebe für Kinder dargestellt, dass man selbst ständig gefühlt Neues entdeckt. Dabei werden zwei große Haupthandlungen gesponnen, nämlich die Suche nach dem Ersatzteil und der Freundschaft zwischen unseren beiden Protagonisten. Desweiteren gibt es kleinere Nebenhandlungen, die episodenartig abgearbeitet werden. So gibt es eigentlich für jeden etwas zu entdecken. Ob man sich nun über ein Wiedersehen mit seinen liebsten Disneyprinzessinen freut oder schon immer mal wissen wollte, wie es bei Ebay wirklich abgeht.
Doch neben dem ganzen Spaß, schafft es der Film auch wieder Tiefgang zu entwickeln. So wird zum einen auch für die kleinen auf gewisse Gefahren im Netz hingewiesen. Beispielsweise produziert Ralph mehrere Buzzfeed-Clips. Das ganze ist für ihn ein großer Spaß, bis er auf die Kommentare trifft. Die Aussage „Man liest niemals die Kommentare“, weißt auf die vielen bösen Kommentare hin, die leider immer wieder im Netz auftauchen. Die größte Lektion wird jedoch wieder über das Thema Freundschaft erteilt. Leider wird das ganze dann im großen Finale etwas sehr übertrieben. Entstanden aus einer coolen Idee, wusste wohl wieder jemand nicht, wann genug ist. Dennoch wird das ganze am Ende gekonnt gelöst und ein schönes rundes Ende geschaffen.

Das Fazit

Ralph breaks the Internet ist eine Fortsetzung, die sehr viel Spaß macht und dennoch eine schöne Geschichte über Freundschaft aufbaut. Lediglich das Finale ist etwas zu übertrieben geraten. Dafür gibt es 08 von 10 möglichen Punkten.

Ralph breaks the Internet läuft seit dem 24.01.2019 in den deutschen Kinos.

Neulich in der Sneak: White Boy Rick

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Ein Vorwort

White Boy Rick ist ein biographischer Film über Richard Wershe Jr. Euch sagt der Name nichts? Gut, mir sagte er auch nichts. In der deutschen Wikipedia hat er überhaupt keinen Eintrag. Selbst in der englischen Wikipedia gibt es nur einen ganz kurzen Artikel. Dennoch könnte die Geschichte genügend Material für einen Film bieten, dachten sich wohl die Produzenten. Was dabei herauskam, erfahrt ihr in meiner Kritik.

Die Handlung

Richard Wershe Jr. (Richie Merritt) wird von allen nur White Boy Rick genannt. Er wächst mit seiner Schwester Dawn (Bel Powley) bei seinem Vater (Matthew McConaughey) im südlichen Detroit auf. Mit 14 wird er vom FBI als Informant in der Drogenszene eingeschleust.

Meine Meinung

Am Anfang sieht White Boy Rick sehr nach einer Milieustudie aus. Der weiße Rick, hat größtenteils schwarze Freunde und hängt oft im drogennahen Bekanntenkreis ab. Sein Vater handelt – teilweise schwarz – mit Waffen, wobei ihm Rick gerne hilft. Daher ist seine Familie bereits unter Beobachtung des FBI. Sein Vater träumt eigentlich von der Veröffentlichung einer Videothek, seine Schwester ist selbst drogenabhängig.
Doch der Ton ändert sich schnell, wenn das FBI den noch jungen Rick als Informanten rekrutieren. Ab hier ist es eine dieser typischen Drogengeschichten, die man bereits zu Haufe gesehen hat. Der Oberboss hat natürlich in der Politik seine Finger drin, damit er seinen Geschäften nachgehen kann. Und Rick gerät als Spielball zwischen seinen Freunden, Bekannten, seiner Familie und dem FBI. Im letzten Drittel ändert sich der Ton noch einmal, wenn man eigentlich denkt, dass die Geschichte nun zu Ende sein könnte. Doch nachdem das FBI Rick als Informanten fallen gelassen hat, beschließt er die Lücke zu füllen, die durch die aus seinen Informationen veranlassten Verhaftungen entstanden ist.
White Boy Rick ist mit einer Spiellänge von 111 Minuten kein besonders langer Film. Aber ein Film, der verhältnismäßig ereignislos verläuft und sich dadurch unglaublich zieht. Das liegt zum einen daran, dass die Geschichte sehr lieblos erzählt wird. Wenn man Wikipedia vertraut, war Richard Wershe Jr. mit 17 Jahren einer der mächtigsten Drogenbosse der USA. Diese Entwicklung ist bis zum Ende des Films nicht zu sehen. Es scheint oberflächlich betrachtet nie über ein kleines Viertel von Detroit hinauszugehen. Auch Ausflüge nach Las Vegas können dieses Gefühl nicht ändern. Das könnte unter anderem daran liegen, dass der Film kaum etwas wirklich über Dialoge erzählt. Und die gezeigten Bilder sind wenig aussagekräftig.
Ein viel größeres Problem von White Boy Rick ist aber der sehr schwache Hauptdarsteller. Richie Merritt gibt hier sein Schauspieldebut und versagt dabei gleich auf ganzer Linie. Er wechselt von einem ausdruckslosem Gesichtsausdruck zum nächsten und wieder zurück. Mehr Bandbreite ist leider nicht erkennbar. Auch die übrigen Schauspielleistungen lassen zu wünschen übrig. Lediglich Matthew McConaughey spielt seine Rolle mit dem nötigen Ernst für die Rolle, kann in seiner Screentime aber auch nichts mehr retten. Selbst eine Jennifer Jason Leigh spielt hier sehr reduziert. Allerdings gibt auch ihre Rolle als FBI Agentin nicht viel her.

Das Fazit

Aus der Geschichte hätte man eine interessante Biographie machen können, wenn man sich nur ein bisschen Mühe gegeben hätte eine Geschichte auch wirklich zu erzählen. So sind hier Szenen hintereinander gereiht, die in ihrer Aussagelosigkeit nur vom Hauptdarsteller übertroffen werden. Dafür gibt es 03 von 10 möglichen Punkten.

White Boy Rick läuft ab dem 07.03.2019 in den deutschen Kinos.

Glass

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Ein Vorwort

2000 schuf M. Night Shyamalan seines Version eines Comichelden und eines Comicschurken. Lange Zeit blieb es ruhig um den Film, zudem Shyamalan mit mehren Flops zu kämpfen hatte. Doch 2017 lief Split in den Kinos an. Zunächst schien es sich um einen alleinstehenden Film zu handeln, bis ganz am Ende Bruce Willis als David Dunn einen Cameo hat und der Zusammenhang zu Unbreakable erkenntlich wird. Nun will Shyamalan die Trilogie abrunden und lässt in Glass nun Willis auf Samuel L. Jackson und James McAvoy treffen.

Was bisher geschah

Hier werde ich kurz die zuvor erschienenen Filme zusammenfassen. Dadurch sind Spoiler leider nicht zu vermeiden. Du weißt bereits, was geschah? Dann überspring diesen Absatz einfach.

In Unbreakable überlebt David Dunn ein schweres Zugunglück als einziger. Kurz darauf wird er von Elijah Price aufgesucht, der ihm erzählt, dass er ein Held wie aus einem Comic ist. Price selbst sieht sich als sein Gegenbild, da er an einer Glasknochenkrankheit leidet, wodurch seine Knochen sehr leicht brechen. Dunn findet daraufhin heraus, dass er noch nie krank war, unheimlich stark ist und durch Berühren von Menschen kurze Visionen bekommt, wodurch er zwei Kinder vor einem Hausbesetzer retten kann. Letztendlich stellt sich jedoch heraus, dass Price für einige große Unfälle, unter anderem dem Zugunglück vom Anfang des Films verantwortlich ist. Price sieht sich als Gegenstück zum Helden, also als der Schurke.
In Split sehen wir, wie drei Mädchen, unter anderem Casey Cooke, von einem Mann entführt und eingesperrt werden. In Kevin Wendell Crumb leben 23 verschiedene Persönlichkeiten. Er bereitet sich auf das Erscheinen einer 24. Persönlichkeit, der übermenschlichen Bestie vor. Die Mädchen sollen dieser geopfert werden. Casey hat durch ihren Onkel jedoch gelernt, ständig auf der Hut zu sein und kann sich mit einer von Kevins Persönlichkeiten, dem 9 jährigen Hedwig, anfreunden. Letztlich wird sie von der Bestie verschont und kann fliehen.

Die Handlung

Kevin Wendell Crumb (James McAvoy) und seine 24 Persönlichkeiten haben erneut Mädchen entführt, um sie der Bestie zu opfern. David Dunn (Bruce Willis), der zusammen mit seinem Sohn einen Laden für Sicherheitssysteme führt, geht regelmäßig auf Streifzüge, um die Mädchen zu finden. Doch gerade als er Kevin stellt und die Mädchen befreit, taucht die Psychiaterin Dr. Ellie Staple (Sarah Paulson) auf und lässt beide einweisen. Dort treffen sie auf Elijah Price, der als Mr. Glass (Samuel L. Jackson) ebenfalls einsitzt. Dr. Staple will nun alle drei davon überzeugen, dass sie keine Comicfiguren sind.

Meine Meinung

M. Night Shyamalan ist ein Regisseur, der mit seinen Werken mitunter etwas umstritten ist. Doch nachdem 17 Jahre vergehen mussten, bis Unbreakable seine Fortsetzung bekam, war die Hoffnung groß, dass wir nicht noch einmal 17 Jahre warten müssten auf das Ende der Trilogie. Zumal dann vielleicht Bruce Willis und Samuel L. Jackson nicht mehr mit an Bord sein könnten. Aber so hieß es noch einmal Wiedersehen mit David Dunn und Mr. Glass. Neu dabei ist Split Star James McAvoy.
Die erste Hürde war erst einmal die vergangene Zeit zwischen beiden Filmen. Willis und Jackson sind sichtbar gealtert, sodass ein Zeitsprung unumgänglich war. Sehr sichtbar ist dieser in Form von Spencer Treat Clark der auch hier wieder – wie bereits in Unbreakable –  Joseph Dunn, also den Sohn von David Dunn (Willis) verkörpert. Dennoch wird praktisch im Schnelldurchlauf die Sicherheitsfirma und die eigentliche Arbeit der Dunns gezeigt, die durch Davids Fähigkeiten noch immer versuchen Menschen das Leben zu retten. Hier war die Verbindung zu Kevin W. Crumb (McAvoy) natürlich schnell hergestellt. Und mit dem Eintreffen in der Klinik ist dann auch Mr. Glass (Jackson) mit von der Partie.
Doch so schön das Wiedersehen und Zusammentreffen auch ist, so zäh wird die Handlung im nächsten Abschnitt. Denn kaum fängt Ellie Staple (Paulson) an die drei zu analysieren, fängt die Handlung ziemlich an durchzuhängen – zumal Jackson die meiste Zeit nur betäubt in seinem Stuhl sitzt. Einziger Lichtblick hier ist McAvoy mit seinem unglaublichen Talent innerhalb von Sekunden unzählige verschiedene Charaktere zum leben zu erwecken. Teilweise wird dieses Talent aber auch sehr inflationär benutzt, da gerade dies eine Sache war, die an Split sehr hoch gelobt wurde. Allerdings verliert es auch hier mit der Zeit seinen Wow-Effekt, auch wenn McAvoy weiterhin brilliert.
Wirklich fangen kann sich der Film erst am Ende wieder. Hier erwacht nun auch Jackson zum Leben und baut so nach und nach das große Finale auf. Dies kann sich dann wieder sehen lassen. Doch den Mittelteil hätte man gut um einige Minuten kürzen können, ohne auch nur etwas vom Gesagten auslassen zu müssen.
Schauspielerisch ist Glass durch seinen hervoragenden Cast wirklich gelungen. Lediglich Paulson bleibt etwas hinter den drei Herren zurück, was aber auch etwas ihrer Rolle geschuldet ist, die sich nicht so richtig bestimmen lässt. Und genauso unbestimmt spielt Paulson auch.

Das Fazit

Mit Ausnahme des schwachen Mittelteils, der kurzaus kürzer hätte ausfallen können, schafft es Shyamalan mit Glass einen Abschluss seiner Comicreihe zu kreieren, der vor allem von den brillianten Schauspielleistungen seiner Hauptcharaktere lebt. Dafür gibt es 06 von 10 möglichen Punkten.

Glass läuft seit dem 17.01.2019 in den deutschen Kinos.

Neulich in der Sneak: Holmes & Watson

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Ein Vorwort

Verfilmungen der Werke von Sir Arthur Conan Doyle über einen der berühmtesten Detektive der Welt, kommen wohl nie aus der Mode. Sherlock Holmes überwältigte uns nicht zuletzt in der erfolgreichen BBC Serie mit Benedict Cumberbatch in der Hauptrolle. Nun versuchte Etan Cohen sich auf dem Regisseurstuhl an einer Komödieninterpretation des Films. Wieso das Ganze der große Reinfall ist, den die schlechten Kritiken vermuten ließen, erfahrt ihr hier.

Die Handlung

Sherlock Holmes (Will Ferrell) ist mal wieder auf der Jagd nach seinem Erzfeind Moriarty (Ralph Fiennes). Dieser droht damit die Königin zu ermorden. Mit Hilfe seines treuen Assistenten Dr. Watson (John C. Reilly) versucht Holmes dies zu verhindern.

Meine Meinung

Die Handlung klingt wie so ziemlich jeder Holmes Film? Und so ziemlich wie jede zweite Serienfolge oder jede zweite Geschichte über den Detektiv? Ja, genau, denn nicht einmal hier war Regisseur und Drehbuchautor Etan Cohen wirklich kreativ. Seine Idee hinter dem neuen Werk war es, die Geschichte wie eine Parodie auf alle anderen Verfilmungen wirken zu lassen. Leider ist ihm das gründlich misslungen.
Denn anstatt wirklich Satire mäßig einzelne Ebenen der Geschichten aufzugreifen und so überspitzt darzustellen, dass sie lustig werden, wird lieber ein Drehbuch voller abstruser Dialoge, viel Fäkalhumor und einiger einfach nur noch abstoßender Szenen – das Waschen einer Leiche als sexuelle Anspielung, um nur ein Beispiel zu nennen – erstellt. Hier ist es fraglich, ob es auch nur eine Person gibt, die diesen Humor wirklich lustig findet – in meiner Kinovorstellung war es sehr leise, weil niemand lachte, aber alle regelmäßig auf die Uhr sahen, ob es endlich zu Ende ist.
Mal ganz ab gesehen von dem absolut unterirdischen Drehbuch, ist der Film ganz nebenbei auch noch ziemlich sexistisch. Die Frau ist natürlich nur dazu da, um vom Helden gerettet zu werden, um mit diversen Männern zu schlafen und kann natürlich auf keinen Fall einen akademischen Titel besitzen. Eigentlich sollte man meinen, dass wir inzwischen so weit gekommen sind, dass solche Filme keine Daseinsberechtigung haben.
Gibt es irgendetwas positives über den Film zu sagen? Nicht wirklich. Schauspielerisch wird er mit einer Lieblosigkeit gespielt. Wer sich schon bei der Handlung fragte, wie Ralph Fiennes es geschafft hat, in dem Film mitzuwirken, so wusste er selbst das wohl am wenigsten. Stattdessen steht er gefühlt durchgehend genervt, irgendwo herum und fragte sich anscheinend, wieso er noch einmal so dringend Geld brauchte, dass er sich darauf eingelassen hatte. Will Ferrell und John C. Reilly schienen zwar ab und an noch etwas Spaß an der Sache zu haben, aber wirklich ernst nahmen sie ihr Spiel auch nicht. Auch Rebecca Hall schien sehr stark unterfordert und konnte ihr genervtes Augenrollen über so manchen sexistischen Spruch kaum verbergen.
Im Endeffekt gab es tatsächlich ein bis zwei gelungene Anspielungen, die dann auch ein leichtes Schmunzeln beim Zuschauer entlockten. Tatsächlich gut parodiert war nur eine einzige Szenen, in der Holmes und Watson über ihren Gefühle sangen.

Das Fazit

Wie es ein so schlechter Film überhaupt ins Kino geschafft hat, bleibt schleierhaft. Wieso er es dann auch noch trotz seiner vielen sexistischen Äußerungen schaffen konnte, ist noch umstrittener. Es bleibt mir nur eins zu sagen: Spart euer Geld! Der Film ist von vorne bis hinten großer Mist! Dafür gibt es 01 von 10 Punkten für ein einziges Lied im ganzen Film.

Holmes und Watson läuft ab dem 07.02.2019 in den deutschen Kinos.

Comedians der Welt

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Ein Vorwort

Bereits seit längerem bringt Netflix in regelmäßigen Abständen Special zu verschiedenen Comedians auf der ganzen Welt heraus. Im deutschen Netflix sind da die deutschen Varianten, wie beispielsweise von Dieter Nuhr oder Enissa Amani zu sehen. Desweiteren die amerikanischen Varianten, von denen mich zuletzt Ellen DeGeneres und Ali Wong begeistern konnten. Doch nun geht Netflix noch einen Schritt weiter. Denn anstatt jedem Künstler ein eigenes Event zu widmen und dann mit einer Stunde Laufzeit an den Mann zu bringen, bekommen nun Künstler in den verschiedensten Ländern der Welt die Möglichkeit in Länderevents in kurzen Episoden sogenannte Comedy-„Snacks“ zu produzieren.

Die Handlung

12 Länder, 13 Events, 50 Künstler, 30 Minuten Zeit pro Künstler. So sieht Netflix neustes Comedyprojekt aus.

Meine Meinung

Über Stand-up Comedy kann man sich bekanntlich streiten. Manchmal findet man einen Komiker unfassbar lustig, einen anderen wieder gar nicht, den aber wieder ein anderes Publikum unglaublich erheiternd findet. Aber wer hat Zeit und Geld, um sich alle Programme live anzusehen, nur um dann wieder festzustellen, dass man jemanden vielleicht in kurzen Sketchen lustig findet, aber nicht in einem ganzen Programm. Und wie sieht es in den anderen Ländern aus?
Genau dafür hat Netflix nun die Lösung gefunden. Eher zufällig bin ich auf die neue Netflix Serie Comedians der Welt gestoßen. Und gleich in der ersten Folge der deutschen Ausgabe – mit Enissa Amani, Ilka Bessin und Kaya Yanar – erklärt Enissa Amani den Sinn hinter der Serie. Netflix hat sich überlegt, kleine Comedy-„Snacks“ zu produzieren, die weltweit gedreht und weltweit verfügbar sein sollen, damit die Menschen im Bus auf dem Weg zur Arbeit oder in ihrer Mittagspause eine kurze Folge der Serie sehen können und erheitert und mit guter Laune in den Tag starten können.
Dafür hat Netflix in 12 Ländern 13 Events organisiert – Kanada ist mit zwei Events vertreten, einmal in englischer und einmal in französischer Sprache – und die verschiedensten Comedians angefragt. Dabei kommt ein bunter Mix aus allen Themen heraus.
Netflix hat hier auch ganze Arbeit geleistet und überwiegend Comedians herausgesucht, die das breite Publikum durchaus lustig finden könnte. Und wenn dann doch einmal zwischendurch einer dabei ist, den man gar nicht mag, kann man entweder die Folge gleich überspringen oder 30 Minuten durchhalten. Gerade die dreißig Minuten sind ein guter Indikator, weil die Comedians ihre Geschichten nicht ewig strecken können, sondern ab einem gewissen Teil auf den Punkt kommen müssen. Und so erfährt man von so manchen Problemen mit Vorurteilen, Schwierigkeiten beim Reisen oder auch sexuellen Vorlieben. Auch wenn sich das ein oder andere Thema wiederholt, ist es doch immer wieder neu verarbeitet.
Wer Probleme mit den anderen Sprachen hat, dem ist mit Untertitel auch gut geholfen. Diese sind so übersetzt, dass man die Pointe gut mitkriegt und so auch alle Specials sehen kann.

Das Fazit

Wer sich für Comedy interessiert, gerne auch mal in einer anderen Sprache oder aus einem anderen Land, der hat hier die Möglichkeit die kurzen „Snacks“ zu genießen.

Der Junge muss an die frische Luft

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Ein Vorwort

Hape Kerkeling dürfte dem breiten Publikum durch seine Karriere als Comedian, Autor, Schauspieler oder auch Synchronsprecher bekannt sein (u. a. Olaf aus die Eiskönigin) bekannt sein. Seine Alter Egos (u.a. Horst Schlämmer) und Fernsehshows sind bekannt. 2015 erschien die erste Verfilmung zu seinem Buch „Ich bin dann mal weg“, was seine Erfahrung auf dem Jakobsweg abarbeitet. Schon hier zeigte sich seine ernstere und verletzlichere Seite. Mit „Der Junge muss an die frische Luft“ schrieb er 2014 ein Buch, in dem er mit seiner Kindheit aufräumt. Hier soll es nun um die Verfilmung von Caroline Link gehen.

Die Handlung

Hans-Peter wächst im beschaulichen Recklingshausen auf. Seine Kindheit ist geprägt von seiner ihn liebenden Familie und von seiner schon früh ausgeprägten Komikerseele. Doch während zu Hause die Probleme immer größer werden, versucht er die Stimmung mit seinen Improvisationen zu lockern, was ihm aber auch nur bedingt gelingt.

Meine Meinung

„Der Junge muss an die frische Luft“ wurde im Trailer noch als relativ lockerer Film beworben. Was hat man über den kleinen Jungen geschmunzelt, der sich als Frau verkleidete oder sich in einer Kutsche herumfahren ließ. Und genau mit dieser Stimmung beginnt der Film. Denn zunächst lernen wir Hans-Peter und seine Familie ganz genau kennen. Welche Konstellation gibt es, Vater, Mutter, Bruder, beide Großeltern, Tante, Onkel, ähnliches. Doch bereits nach dem ersten Viertel des Films, fängt die Stimmung langsam an zu kippen. Denn die Stimmung, die der Trailer noch verspricht, ist für den Film gar nicht angesetzt. Stattdessen geht es eher um das Schicksal eines Jungen, der für jeden Spaß zu haben ist und doch ein ganz großes Päckchen zu tragen hat.
Um es genauer zu sagen, geht es darum, dass seine Mutter sehr krank ist. Sein Vater ist dauerhaft auf Montage und sein großer Bruder ist ins Dachgeschoss gezogen, bekommt also auch nur noch die Hälfte mit. Also versucht der kleine Junge mit den Launen der Mutter zurecht zu kommen und sie und alle anderen regelmäßig zum Lachen bringen. Dadurch entwickelt sich schnell eine beklemmende Stimmung, die aber durch die Comedyeinlagen immer wieder aufgelockert wird. Dennoch sollte man genügend Taschentücher dabei haben.
Die Geschichte selbst wird frei von der Leber weg erzählt, ohne etwas großartig zu beschönigen. Auch wenn manche Szenen nicht explizit gezeigt werden, ist am Ende doch klar erkennbar, was passiert ist. Am Ende kommt eine runde Sache bei raus.
Schauspielerisch ist „Der Junge muss an die frische Luft“ Top besetzt. Vor allem Julius Weckauf als Hans-Peter begeistert und überzeugt in seiner Rolle vollkommen. Hier hat das Castingteam nicht nur optisch einen Volltreffer gelandet, sondern als Newcomer schafft es Weckauf bereits die schwierigsten Szenen zu meistern und angemessen rüberzubringen. Ein Jungdarsteller, von dem wir hoffentlich noch mehr sehen dürfen. Auch der übrige Cast ist gut besetzt und liefert eine solide Leistung ab, bleibt aber hinter Weckauf zurück.

Das Fazit

„Der Junge muss an die frische Luft“ ist ein sehr ernster und teilweise beklemmender Film, der seine Stimmung jedoch immer wieder aufzulockern weiß. Mit einem grandiosen Jungdarsteller begeistert der Film letztendlich, Taschentücher sollte man aber genug dabei haben. Dafür gibt es 07 von 10 möglichen Punkten.

Der Junge muss an die frische Luft läuft seit dem 25.12.2018 in den deutschen Kinos.

Die Tochter des Uhrmachers

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Ein Vorwort

Wenn ich erfahre, dass Kate Morton ein neues Buch herausbringt, dann bin ich ein paar Tage später in der Buchhandlung meines Vertrauens und kaufe es. Dabei ist es mir auch egal, dass die Hardcover, die zunächst erscheinen, einen stolzen Preis haben. Denn seit „Die fernen Stunden“ konnte mich Mrs. Morton (fast) immer vollständig in ihren Bann ziehen und mit ihren Geschichten verzaubern. So stand nun die Tochter des Uhrmachers auf dem Plan.

Die Handlung

Elodie stößt bei einem Archivjob auf einen Brief und ein Bild, die ihr keine Ruhe mehr lassen. Bei ihren Nachforschungen trifft sie auf Birchwood Manor. Einst das Haus des Künstlers Edward Radcliffe birgt es zahlreiche Erinnerungen und Geheimnisse.

Meine Meinung

Kate Morton ist eine meiner absoluten Lieblingsautorinnen. Dementsprechend hoch waren meine Erwartungen an das Buch, denn bisher konnten mich (fast) alle Bücher von ihr sofort in den Bann ziehen und verzaubern. Am Anfang kam ich diesmal etwas schwieriger in die Geschichte rein, eben gerade weil ich erwartete, sofort verzaubert zu werden. Nachdem ich es jedoch noch einmal ein paar Tage liegen ließ und dann mit einer erwartungsvollen Spannung, aber nicht mehr mit hohen Anforderungen einen neuen Versuch startete, stellte sich auch bereits nach ein paar Seiten das altbekannte Gefühl ein.
Morton schafft es sofort sympathische Charaktere zu erschaffen, mit denen man mitfühlt. Hier sind es zunächst Elodie und Birdie, die damit die beiden Protagonisten bilden. Dabei ist es diesmal schwierig von Protagonisten zu sprechen, denn eigentlich steht Birchwood Manor selbst im Mittelpunkt. Es geht um die verschiedenen Bewohner von einer Tragödie im Jahre 1883 bis in die heutige Zeit. Dabei hat jeder seine ganz eigene Geschichte zu erzählen und doch zieht sich ein Geheimnis wie ein roter Faden durch das Buch. Dabei wird jede Geschichte mit gleichviel Respekt geschrieben und kein Aspekt scheint unwichtig und doch kann man das große Finale mit der Aufklärung des großen Rätselns kaum erwarten. Hier wird man auch nicht enttäuscht, denn Morton verbindet alle einzelnen Handlungsstränge miteinander. Leider ist mir der Ausgang der Geschichte um Elodie dann doch etwas zu kurz gehalten und zu viel Raum für ein eigenes Ende gelassen.

Das Fazit

Eine wundervolle Geschichte über ein Anwesen, dass die Jahre überdauert im typischen Morton-Stil. Hier nach Schwachstellen zu suchen ist wirklich ein Meckern auf ganz hohem Niveau, denn auch wenn das Ende etwas zu kurz gekommen wirkt, ist es dennoch rund.

Mary Poppins‘ Rückkehr

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Ein Vorwort

1928 schrieb Pamela L. Travers ihren ersten Roman über das wohl berühmteste Kindermädchen der Welt. Mary Poppins bekam noch drei Folgebände. 1964 brachte Walt Disney dann nach langem Rechtekampf den Film ins Kino, der lose auf den Büchern basiert. So lernte das breite Publikum Familie Banks kennen und wusste, mit einem Löffelchen voll Zucker klappt alles gleich nochmal so gut. Bereits 20… nahm sich Regisseur … dem Stoff noch einmal an und erzählte die Hintergrundgeschichte zur Verfilmung, hochkarätig besetzt mit Emma Thompson als P. L. Travers, Tom Hanks als Walt Disney und Colin Farrell als Travers Vater. Hier wurde die Hintergrundgeschichte zur Mary Poppins erzählt, aber vor allem die schwierige Entstehungsgeschichte des Films. Wie viel Wahrheit wirklich enthalten ist, sei einmal dahingestellt. Nun sollte 54 Jahre nach dem ersten Film, der zweite Teil in die Kinos kommen. Schon nach dem ersten Trailer wurden die ersten zweifelnden Stimmen laut. Kann Mary Poppins‘ Rückkehr mit dem Erfolg und vor allem der Nostalgiebrille mithalten?

Die Handlung

Michael Banks (Ben Wishaw) ist inzwischen erwachsen und alleinerziehender Vater dreier Kinder. Da ihn finanzielle Sorgen plagen, soll er ein Wertpapier der Bank finden, um sein Haus behalten zu können. Seine Schwester Jane (Emily Mortimer) steht ihm dabei zur Seite. In dieser schweren Zeit kehrt Mary Poppins (Emily Blunt) zurück und sorgt für die Kinder. Immer mit dabei ist Straßenlampenanzünder Jack (Lin-Manuel Miranda).

Meine Meinung

Ich bin ein sehr großer Mary Poppins Fan. Die Lieder laufen bei mir bis heute regelmäßig rauf und runter. Inzwischen habe ich auch die ersten beiden Bände der Bücher von P. L. Travers nachgeholt. Als ich hörte, dass es eine Fortsetzung geben sollte, war ich also alles andere als Begeistert. In Zeiten von Prequels, Sequels, Remakes und Reboots war also nun einer meiner absoluten Lieblingsfilme betroffen. Ein bisschen beruhigter war ich dann, als Emily Blunt als Mary Poppins bekannt gegeben wurde. An eine Julie Andrews würde für mich zwar sowieso niemand herankommen, aber Blunt schien eine würdige Nachfolgerin.
Ich habe wirklich versucht sehr neutral an den Film zu gehen, aber natürlich war da die große Nostalgiebrille. Dennoch hat mich der Film am Ende mitgerissen. Während ich am Anfang sehr lange brauchte, um in die Geschichte reinzukommen und mich auch einige Dinge gestört haben, konnte ich am Ende doch mit einem halbwegs guten Gefühl aus dem Film gehen.
Das dürfte vor allem daran liegen, dass ich doch einige Elemente aus den Büchern wiedererkannt habe. Während die Bücher episodenartig erzählt werden, haben beide Filme eine übergeordnete Handlung. Und da im Film nur wenige Monate vergangen sind, im Film aber viele Jahre, war klar, dass einiges angepasst werden musste.
Grundsätzlich ist zu sagen, dass Mary Poppins erneut ein Film ist, der zu verzaubern weiß. Mit den verschiedensten Charakteren bringt der Film größtenteils ein Lächeln auf die Lippen der Zuschauer. Mary Poppins zeigt den Kindern verschiedene „Welten“, die optisch einfach herrlich anzusehen sind. Dennoch gibt es ein paar Abstriche, die einfach nicht richtig funktioniert haben.
Zum einen wäre da die übergeordnete Handlung an sich. Die Suche nach dem Wertpapier der Bank ist zum einen in ihrem Ausgang sehr vorhersehbar, was nicht weiter tragisch wäre, wenn wir nicht Colin Firth in der Rolle des Bänkers hätten. Was weniger an Firth liegt, als vielmehr am Charakter seiner Rolle. Denn hier haben wir tatsächlich eine Art Bösewicht. Das passt leider so gar nicht in die bunte supercalifragilisticexpialigetische Welt und wirkt bis zum Ende sehr stereotypisch angelegt.
Zum anderen liegt es leider an den Liedern. Im ersten Teil noch ein wichtiger Bestandteil für den Erfolg des Filmes, sind die neuen Lieder leider sehr uninspiriert, klingen sehr ähnlich und sind leider überhaupt nicht eingängig. Sobald ein Lied endet, hat man es schon wieder vergessen. Als ich diesen Kritikpunkt gegenüber meines besten Freundes äußerte (der den ersten Teil noch nicht kennt), meinte er, dass er das Grundtheme schon sehr eingängig fand. Ich musste ihm zustimmen, jedoch beruht das Grundtheme auf den Song „Ein Löffelchen voll Zucker“ aus dem ersten Film. Wirklich schön fand ich nur das Lied der Straßenlaternenanzünder, welches sich aber auch stark am Lied der Schornsteinfeger – in Gesang und Tanz – orientiert.
Emily Blunt als neue Mary Poppins funktioniert sehr gut und die wesentlichsten Züge des Charakters hat sie sehr verinnerlicht. Dennoch hat sie ein bisschen zu viel Spaß beim Dreh gehabt, was ihr die Strenge der Mary Poppins nimmt. Dennoch ist sie eine würdige Erbin von Julie Andrews – die im Gegensatz zu Dick van Dyke leider keinen Gastauftritt hatte.

Das Fazit

Mary Poppins‘ Rückkehr ist leider eine der Sequels, die nicht notwendig gewesen wären. Obwohl einige Stellen großen Spaß machen, bleibt der Gesamtfilm uninspiriert in Handlung und Liedern. Dafür gibt es 05 von 10 möglichen Punkten.

Mary Poppins‘ Rückkehr läuft seit dem 20.12.2018 in den deutschen Kinos.

Mortal Engines – Krieg der Städte: Kritik über Buch und Film

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Ein Vorwort

Durch Zufall stieß ich im letzten Jahr auf das Buch Mortal Engines von Philip Reeves, als es mir als Leseexemplar angeboten wurde. Vom Klappentext begeistert, sagte ich zu und begann zu lesen. Kurz darauf erschien der erste Trailer zu Peter Jacksons neuestem Werk. Ich war noch mehr angefixt von der Geschichte, denn durch Jacksons Vision wurde die Geschichte nun beim Lesen noch lebendiger. Leider enttäuschte mich das Buch immer mehr. Trotzdem gab ich dem Film eine Chance. Konnte er die Fehler des Buches richten?

Die Handlung

Im dritten Jahrtausend hat sich die Menschheit im sogenannten 60-Minuten-Krieg fast vollständig selbst zerstört. Die übrig gebliebenen Städte haben sich mobil gemacht und versuchen nun nach dem Städtedarwinismus zu überleben. Das heißt, das die größeren Städte die kleineren „fressen“, um sich Sklaven, Rohstoffe und Lebensmittel zu sichern. Der junge Tom Natsworthy (Robert Sheehan) lebt als Historiker in London, eine der größten der rollenden Städte. Sein großes Vorbild Thaddeus Valentine (Hugo Weaving) wird nach einem erfolgreichen Beutezug von der geheimnisvollen Hester Shaw (Hera Hilmar) angegriffen, die jedoch fliehen kann. Valentine voller Angst vor dem was Hester weiß und Tom erzählt haben könnte, der die Verfolgung aufnahm, stößt ihn ebenfalls durch einen Müllschacht. Auf einmal ist er auf Hesters Hilfe angewiesen und erfährt ihre Geschichte. Eine Verfolgungsjagd beginnt, denn Valentine will mit Hilfe der geheimnisvollen Waffe Medusa den Wall der Anti-Traktions-Liga durchbrechen will. Tom und Hester wollen aus unterschiedlichen Gründen zurück nach London.

Das Buch

Ihr seid ein wenig verwirrt durch die lange Handlungszusammenfassung? Dann wisst ihr, wie es mir ging, als ich das Buch las. Denn ständig wurden neue Orte und Personen in den Raum geworfen, die man als Leser aber nicht so schnell zuordnen kann. Hinzu kommen Begriffe, wie Städtedarwinismus und Anti-Traktions-Liga, die man sich zwar noch irgendwie logisch herleiten kann, die aber als selbstverständlich vorausgesetzt werden.
Aber fangen wir noch einmal ganz von vorne an. Reeve versetzt den Leser direkt in eine Welt, die der unseren zwar noch entfernt ähnelt, aber durch den sogenannten 60-Minuten-Krieg fast vollständig ausgelöscht wurde. Was es genau damit auf sich hat, bleibt bis zum Ende ungeklärt. So lernt der Leser zunächst den Historiker-Lehrling Tom kennen, der die Geschichte bis zum Ende begleitet. Er kann uns zwar das Leben in London ein wenig erklären, aber alles darüber hinaus ist auch für ihn neu.
Handlungstechnisch hat sich Reeve leider sehr auf den Spannungsfaktor konzentriert. So werden Tom und Hester auf ihren Weg zurück nach London von einer brenzligen Situation in die nächste gestoßen und kommen daher leider nicht dazu ihre Situation genauer zu beschreiben oder ihre Welt zu erklären. Bis zum Ende bleibt alles ein Mysterium. Sie treffen auf Charaktere, die man ein paar Seiten später schon wieder vergessen hat.
Der zweite Handlungsstrang spielt auf London und begleitet Valentines Tochter Catherine. Dieser ist dann zwar sehr actionarm, dafür voller Geheimnisse, die es zu lüften gilt. Leider braucht Catherine dafür sehr viel Zeit, so dass man am Ende fast schon wieder vergessen hat, auf welche Auflösung man genau noch wartet. Dennoch sind die Passagen ganz gut, um wieder Ruhe einkehren zu lassen.
Leider verwirrt sich das Ende dann wieder in einer Actionwut. Tom und Hester haben zwischenzeitlich Hilfe von Anna Fang erhalten, eine Pilotin der Anti-Traktionisten. Irgendwo zwischendrin ging es auch noch um eine Art Roboter und warum Valentine Hesters Mutter ermordet hat. Das ist übrigens ihr Motiv für den Mord an Valentine. Ihr seid jetzt noch mehr verwirrt? Ist okay, war ich am Ende des Buches auch. Spannend ist es übrigens ab einem gewissen Punkt auch nicht mehr, da man nur noch frustriert ist, dass nichts aufgelöst oder erklärt wird.

Der Film

Man spricht immer von Peter Jacksons neustem Werk. Der Fairness halber sollte man erwähnen, dass er zusammen mit seinem Herr der Ringe Team das Drehbuch schrieb, die Regie selbst übernahm Christian Rivers. Rivers war bisher bei den Jackson Filmen meist als Visual Effects Supervisor beteiligt. Mit Mortal Engines gibt er sein Regiedebüt unter Jackson als Produzent.
Dennoch zeigt der Film deutlich Jacksons Handschrift, gerade was die Gestaltung der Welt angeht. Im Buch war die Beschreibung von London doch immer ein wenig seltsam, konnte ich sie mir doch nicht wirklich auf Rädern vorstellen. Doch genau dies wurde ausgezeichnet umgesetzt und so bekommt Reeves Welt Konturen. Vom Aussehen her macht die Verfilmung auf jeden Fall schon einmal alles richtig!
Auch Castingtechnisch sind die Charaktere sehr gut besetzt. Sei es die isländische Schauspielerin Hera Hilmer als Hester Shaw oder ein Hugo Weaving als Thaddeus Valentine oder letztendlich Robert Sheehan als Tom. Hinzu kommen Neuentdeckungen, wie Jihae oder Leila George, die ihre Rollen gut umsetzen.
Auch Drehbuch-/Handlungstechnisch macht der Film erst einmal viel richtig. Denn er schreibt einige Passagen des Buches komplett um und charakterisiert ebenfalls teilweise neu. Dadurch bekommt der Film einen wesentlich besseren Drive als noch das Buch und ergibt an vielen Stellen auch mehr Sinn. Leider ist die Handlung immer noch der Hauptkritikpunkt, denn das Buch wird nun einmal nicht komplett neu erfunden. So wird zwar schon mehr erklärt als im Buch, aber immer noch zu wenig. Und auch ist der Actionanteil weiterhin viel zu hoch und die Dialoge werden auf ein nötigstes beschränkt.

Das Fazit

Als vom Buch enttäuschte Leserin war ich von der Verfilmung wahrscheinlich begeisterter als die reinen Filmseher. Trotzdem kann ich leider nicht sagen, dass ein spannender und runder Film herauskam. Letztlich bleibt es ein Film, der rein auf die Optik beschränkt herausragend ist, aber leider zu starke Schwächen in der Handlung hat. Dafür gibt es 04 von 10 möglichen Punkten.

Mortal Engines – das Buch gibt es 24.10.2018 im örtlichen Buchhandel zum kaufen.
Mortal Engines – der Film läuft seit dem 13.12.2018 in den deutschen Kinos.